10 любимых синтезаторов Jean-Michel Jarre

Если Жак-Ив Кусто - человек-акваланг, то Жан-Мишель Жарр бесспорно - человек-синтезатор. Кто как не он знает всё об этих чудесных музыкальных машинах? Перед своей лекцией для Red Bull Music Academy Жарр решил рассказать о десяти инструментах, определивших его звучание.

E.M.S VCS 3 (1969)

Мой первый синтезатор. Европейский ответ американскому Moog: Мини против Кадиллака. Послевоенная технология привела нас к европейскому электронному звучанию, во многом отличающемуся от американского. VCS3 был одним из первых настоящих синтезаторов, использующих модульную технологию - технику, с которой я уже был знаком благодаря оборудованию, с которым работал в GRM (Le Groupe de Recherches Musicales - Группа Музыкальных Исследований) вместе с  Pierre Schaeffer. Я написал много разной музыки с помощью этого синтезатора, в особенности треки с альбомов Oxygène и Equinoxe, хотя впервые опробовал я его на Deserted Palace и композициях, которые сочинял для Парижской Оперы. Даже сейчас,  более, чем сорок лет спустя я все еще играю на нём на сцене. Наверное, это слегка безумно - считать, что ремеслянные технологии могут и сегодня сохранять свою изысканность. Когда я только начинал, этот синтезатор был моим главным инструментом, наряду с органом Farfisa  и двумя рекордерами Revox. Pink Floyd начали использовать его примерно в то же время - они добавляли электронные элементы к своей музыке, но для них этот синтезатор был второстепенным актером в роковых аранжировках, в то время, как в моей акустической палитре он был на переднем плане. 

ARP 2600 (1971)

Этот американский синтезатор очень быстро стал лучшим на рынке модульных и полумодульных синтезаторов -  он отличался от Moog наличием звуковых пресетов. Впервые включив ARP 2600, вы сразу же могли начать играть на нём, переключая потенциометры. Его стоимость гораздо ниже стоимости Moog, а звук - куда богаче. Я много использовал его в Oxygène и Equinoxe, а также на альбомах, записанных вместе с Christophe - Les Paradis Perdues (Lost Paradises) и Les Mots Bleus (Blue Words).  ARPы - словно Страдивари или Steinways (одна из старейших и крупнейших корпораций, выпускающих музыкальные инструменты) для электронной музыки. Мастеров, которые изобрели их сегодня мы можем поставить в один ряд со скрипичными мастерами или изготовителями клавикордов и пианино, словом всех акустических инструментов. 

Интересный факт: все электронные инструменты этой эпохи в большей или меньшей степени пропали с рынка в начале 80-ых годов с появлением DX7. Другими словами, это произошло в то время, когда японцы просочились на рынок синтезаторов с более агрессивным и коммерческим видением того, что должно доминировать в ранние дни существования электронных инструментов. Сегодня ARP заслужил статус классического инструмента, как пианино или саксофон - я уверен, что он будет использоваться в ближайшие два столетия. 

Сейчас существует тренд использования старых синтезаторов, но это почти то же, что дать Les Paul 58 или Fender 52  в руки гитаристу, который раньше играл разве что на Ibanez или ее бледной японской подделке. 

С ранних 90-ых техно-сцена расширялась плагинами и эмуляциями инструментального звучания, которые по сути были довольно неубедительными копиями аналоговых звуков. Я не хочу сказать, что предпочитаю аналог цифре, скорее даже наоборот - мне кажется, что они двое вполне могут сосуществовать вместе и моя музыка - доказательство этому. Но приходит момент, когда мы должны признать, что они далеко не равнозначны. Мы не можем сравнивать ARP, который сегодня продается за 30 000 франков (4 500 евро) с плагином, который можно купить за 50 евро. Это вопрос смысла. Взвесив все преимущества виртуального, сегодня мы осознаем, что состоим из плоти и крови и имеем потребность в эмоциональной и тактильной связи с нашими инструментами. 

ARP 2500 (1969)

Этот инструмент - старший брат ARP 2600, который был создан, чтобы бороться с модульным Moog. Одним из первых музыкантов, использовавших его в Европе был Pete Townshend из The Who. ARP 2500 - громадная машина, вы можете услышать его в хорошо известном проигрыше из песни “Baba O’Reilly”, который буквально воплотил в себя сущность звучания The Who. Да, это именно электронное звучание, а совсем не гитара. Я пытаюсь бросить нить в сторону Pete Townshend и Peter Gabriel - людей со схожим моему пониманием синтезаторов и первых музыкантов, обладающих Fairlight - следующим синтезатором, о котором я расскажу. 

FAIRLIGHT CMI (1979)

Fairlight был первым инструментом, непосредственно связанным с подготовкой, полученной мною в GRM под руководством Pierre Schaeffer среди всех, с которыми я работал. Речь идет об электро-акустической музыке или том, что позже назовут сэмплированием. С помощью Fairlight мы могли записывать и сэмплировать любой звук - городской, природный, домашний, а потом играть его на клавиатуре, создавать с его помощью ударные, аккордовые звуки, хоры, конструктивные элементы музыки или просто неправдоподобные звуки, которых не существует в природе. Этот инструмент звучит в стилистике лоу-фай, с массой обаяния, теплоты и дробности, возвращающей нас к композициям Bernard Herrmann и эстетике фильмов 30-ых годов вроде Метрополиса. Он сыграл знаковую роль в определении фирменного звука Питера Гэбриела и лейбла Real World, равно, как и в моем собственном звуке. Среди моих альбомов его можно заметить в Magnetic Fields, но особенно - в Zoolook, от начала и до конца записанном с помощью Fairlight. Oxygène и Zoolook - два очень разных альбома моей звуковой карты, ведь мы знаем, что это инструмент определяет стиль, а не наоборот. 

Fairlight показался мне экстраординарным с первого своего появления на рынке, ведь он напомнил мне о способе, которым я изучал электро-акустическую музыку в начале моей карьеры, когда речь шла о двух деках, ножницах и клеящей ленте. Zoolook мы записывали вместе с  Marcus Miller - одним из лучших, если не лучшим бас-гитаристом в мире. Он играл, а я сэмплировал его партии. Пройдя через Fairlight, звук полностью преображался - машина искривляла и модифицировала всё до неузнаваемости. Также для Zoolook я сэмплировал песни эскимосских и африканских племен, скорее по причине их звуковых качеств, чем потому, что это была этника - я не ставил перед собой такую цель. 

Peter Gabriel фокусировался на открытии новых видов музыки, измельчая фрагменты и интегрируя их в треки с более роковой, попсовой или электронной окраской. Мне кажется, что его подход в те годы определил и сформировал всю философию сэмплирования, которая через несколько лет переросла в диджей-культуру. 

Что заставляет меня смеяться сегодня, так это то, что в Fairlight для записи служили огромные ленты, каждая размером с журнал. На одну вмещается около двадцати звуков длительностью по секунде. Это архаично по сравнению с сегодняшними технологиями, ведь одна USB-флешка стандартного размера способна вместить содержимое 10 000 Fairlight-овских лент. Правда, ограничение этой машины вознаграждается чрезвычайной поэтичностью. Лет через пять, я думаю, мы заново откроем этот инструмент. 

Roland JD-800 (1991)

Следующий синтезатор - последователь философии DX7 и подхода японских синтезаторов, которые собирались финансово потопить всех американских производителей. Он попал в мой список потому, что это один из первых полифонических японских синтезаторов, который смог добиться сходства с аналоговыми инструментами. Правда, что я ненавижу в DX7 - он заставляет вас считать, что цель электронной музыки - всего лишь имитация звучания акустических инструментов. 

С помощью JD-800 вы можете менять параметры звука, как с  ARP или Moog, но с японским звуковым качеством, которое в некоторых отношениях более очищенное. Я много пользовался им на Chronology и Revolution. Эти альбомы обсуждаются гораздо меньше, но они сыграли важную роль в моей карьере, ведь они отметили тот период изменения, когда одной ногой я стоял в эре аналога, а другой шагнул в то, что вскоре стало цифровым. 

MEMORY MOOG (1982)

Первый аналоговый полифонический синтезатор. До его появления все модульные синтезаторы, такие как VCS3 и ARP были монофоническими. Если вам нужен был полифонический эффект, вы должны были играть четыре различных звука одновременно. Сейчас эта практика утеряна, что стыдно, ведь подразумевалось, что вы должны писать музыку тем же способом, что и для струнного квартета - то есть, для скрипки, альта, виолончели и контрабаса. 

С помощью Memorymoog и других синтезаторов, вышедших примерно в то же время, вы могли одним нажатием играть целые аккорды и это изменило всё. Как в лучшую, так и в худшую сторону, ведь в результате мы перестали создавать электронную музыку классическим способом, как делал это Wendy Carlos. Memorymoog был 8-ым по счету синтезатором серии Moog с той же формой, но множеством новых различных функций - теперь мы получили возможность сохранять звуки, которые создавали. Раньше нужно было, вооружившись карандашом и бумагой, записывать все требующиеся для создания звука операции, при чем из этих заметок никогда не удавалось снова воспроизвести первоначальный звук. С этого же момента вы смогли воссоздавать звук в оригинальном его состоянии даже через многие годы. 

 RMI Keyboard Computer (1974)

Этот инструмент, созданный в 70-ых годах был революционным, ведь это первый цифровой синтезатор эры аналоговых инструментов. В мире электронной музыки 70-ых годов цифровому вообще не было места. RMI функционировал по принципу аддитивного синтеза, в то время, как аналоговые синтезаторы основывались на субтрактивном синтезе. Проще говоря - аддитивный синтез похож на принцип работы органа в том плане, что вы можете добавлять друг к другу частоты и слои, точно так же, как на органе вы добавляете 32 педали, потом 16, потом 8, потом 4, что фактически является октавами, либо терциями октав, либо квинтами. Я применял эту технику на Deserted Palace и треке Oxygène 5, где целая секвенция построена с помощью RMI. Благодаря ему мой звук во многом отличался от всего, что вы могли слышать в то же время, ведь цифровое звучание отдавало определенной прохладностью. Этот синтезатор был для музыки тем же, чем в свое время стал фильм Трон для кинематографа. 

 EMINENT 310 (1970)

Этот синтезатор определил мое звучание от Les Mots Bleus Кристофа и песен Patrick Juvet до Oxygène и Equinoxe, в которых многие партии сыграны на нём. Я пользуюсь им даже сегодня. Наряду с VCS3, этот синтезатор - один из фундаментальных инструментов в моем творчестве. Этот орган создан голландцами, которые первыми поняли, как формировать аккорды из электронных звуков. Именно благодаря этому первому струнному ансамблю и родилась Solina, более известная сегодня, чем Eminent, не смотря на то, что он своим богатейшим звуком стоит трех таких Солин вместе взятых. Его можно услышать на Oxygène и Equinoxe, которым этот инструмент добавляет поэтапного скользящего ощущения. Предыстория этого звукового эффекта заключается в том, что я пропустил VCS3 и Eminent через Smalltone - фазовую гитарную панель, что и создало такое пышное звучание, похожее на гитарные аккорды, но, конечно же, намного более электронное. 

 Teenage Engineering OP-1 (2011)

Маленькая новинка, выпущенная менее года назад, которую представила в Швеции компания Teenage Engineering, основанная в 2003 году участником Академии David Eriksson. Этот синтезатор даже не кажется синтезатором - он небольшой и выглядит, словно игрушка Casio, хотя внутри прячется сложная машина, разработанная на базе военных технологий. Он цифровой на все 100%, но своими размерами и мобильностью определяет совершенно новый тип устройств. Прошло довольно много времени с тех пор, как я видел нечто настолько интересное, гибкое и творческое, как этот синтезатор. И, должен сказать, его изобретатели воссоздали то понятие, которого нам так отчаянно не хватало - юмор. Вспомните все Moog-и, ARP-ы и прочие первые синтезаторы, созданные увлеченными безумцами, строившими совершенно безрассудные и опасные в финансовом отношении инструменты. Изобратетели этого синтезатора распродали весь первый тираж OP-1 поштучно через Интернет, хотя инструкция была написана на японском, чтобы сбить нас со следа. Я встретился с ними после моего тура по Швеции - вся команда разработчиков пришла за кулисы и мы играли вместе. Я выбрал их синтезатор, чтобы показать - любой инструмент, не важно из какого он времени, может заслужить вневременную ценность. Я уверен, что музыканты будут играть на OP-1 в ближайшие 50 лет. 

 MELLOTRON (1963)

Еще один легендарный электро-акустический инструмент - это один из первых сэмплеров, появившийся задолго до Fairlight. Что интересно в Mellotron - так это то, что его придумали в то время (60-ые годы), когда философии сэмплирования не было даже в мыслях. Идея родилась у светлого ума, спросившего себя, как играть аккорды на электронном инструменте. Решение заключается в том, чтобы записать многоголосье в студии на кассету, а позже установить небольшие кассетные рекордеры на последние семь секунд и создать ноты на пианино.  Mellotron - это что-то вроде маленького пианино, в котором при нажатии на клавишу перо устанавливается напротив ленты, высвобождая кассету, которая будет прочитана головкой за семь секунд. Благодаря этому вы получаете целый диапазон звуков. Когда вы играете на Mellotron - создается ощущение, что вы слушаете саундтрек к немому фильму 30-ых годов. В музыке ясно слышится такое ноющее искривление, характерное для треков Beatles, Moody Blues и Procol Harum. Фактически, и поп, и рок-музыканты 60-ых годов активно использовали этот инструмент для записи многоголосья с винтажным ретро-ощущением. Звучание 40-ых, приспособленное к музыке 60-ых.