John Tejada: какой смысл коллекционировать файлы?

Творчество Джона Теяды - чистое техно, настоящая музыка машин. Тем не менее, он всегда открыт для экспериментов - начиная от совместных альбомов с гитаристом-виртуозом Takeshi Nishimoto и заканчивая концертами с мужским хором. О них, собственно и пойдет речь ниже. А также об отношении Джона к эре интернета, цифровому контенту и дальнейших творческих планах.

- Что меня больше всего удивляет в танцевальной музыке, в особенности техно и хаусе, так это ее возможность преодолевать любые географические и межнациональные границы. Как ты думаешь, что является общей связующей нитью? Психология? Биология? Может быть, культура? И что такого особенного в этих электронных битах в размере 4/4 и скорости около 120-130 битов в минуту, что позволяет танцевальной музыке с их помощью устанавливать подобную связь?
- Мне кажется, что сегодня мы наблюдаем масштабное движение, где каждый человек в любой части света связан с другими через социальные медиа и другие ресурсы Интернета. В 90-ых всё было по другому. Подобных средств не существовало и для того, чтобы узнать о событиях в музыкальном мире за границей, приходилось штурмовать магазины и заказывать нужные тебе релизы. Сегодня же всё происходит в один миг. Большинство моих друзей, да и я тоже, пока не можем привыкнуть к этому. В те годы для нас было огромным удовольствием найти вещь, которую вы искали или услышать вживую исполнителя, который вам нравился. Мы жили без мгновенного поиска MP3 или возможности посмотреть на YouTube нарезку из концерта, который состоялся на другом конце планеты прошлым вечером. По большому счету, все эти нововведения позитивны.
Музыка распространяется среди разных культур. Каждый человек любит танцевать и многие люди, независимо из какой они страны, одинаково ждут момента, когда смогут впервые услышать новую песню и задаться вопросом, кто ее исполняет и как она называется. Именно поэтому мне не кажется таким уникальным то, что музыку любят в любой точке нашей планеты. Многие жанры существуют во всех странах потому, что людям нравится музыка и они делают всё, чтобы развивать сцену.

- Конечно, везде есть свои различия. Как человек, который родом из Калифорнии, но очень крепко связан с Европой, как ты относишься к переезду между этими местами, между разными городами и публиками? Имеет ли место значение в том смысле, что музыка и музыкальные сообщества развивались по разному в течение времени? Или музыка сама по себе уменьшает значимость этого вопроса?
- У меня очень сильная связь с Веной, где живет мой папа и я могу путешествовать по Европе на регулярной основе, так что я связан с обеими местами. Действительно, ощущения от публики могут быть разными, но дело скорее в площадке, где ты выступаешь или людях, которые тебе встречаются - вот они как раз и формируют впечатление о месте. От определенного города у тебя может остаться как хорошее, так и плохое впечатление, но не стоит полагаться в нём всего на одну ночь, проведенную в клубе, ведь ниже по улице всегда найдется другой клуб, полностью противоположный первому, как в хорошую, так и в плохую сторону. Именно поэтому я повторяю визиты во многие города - чтобы правильнее сформировать мнение, а не строить его по одной ночи. Я думаю, музыка будет продолжать развиваться, с чем она всегда успешно справлялась.

У Джона очень большая рука

- С каждым годом появляются всё новые и новые виды оборудования и программного обеспечения, открываются новые лейблы и клубы, возникают новые способы распространения музыки. Кроме Интернета и социальных медиа, о которых ты говорил, что для тебя лично стало наиболее важным развитием в плане создания музыки? Может быть, какие-то новые идеи или техники, которые открыли для тебя новые горизонты? 
- Мне кажется, что пока технология развивается и облегчает выполнение многих задач, а выбор становится просто безграничным, решения превращаются в проблемы. Написание музыки становится чем-то вроде детской расскраски, где нужно пронумерованные участки закрасить определенным цветом. Многие люди выпускают совсем не интересную для меня музыку. Это разные вещи - накладывать ограничения на чей-то творческий процесс и фактически иметь эти ограничения. Когда мы только начинали, творческий процесс был совсем другим. Сейчас перед нами раскрылись безграничные возможности, что заставляет тебя пересмотреть свои прошлые работы. В то же время, конечно, замечательно, что мы имеем новые инструменты, которые работают так, как и было задумано, а происходящее сейчас возрождение аналога очень сильно влияет на мою работу и звучание. Обычно, компьютерные программы служат позитивной цели и делают создание музыки более простым.

Написание музыки становится чем-то вроде детской расскраски, где нужно пронумерованные участки закрасить определенным цветом.

- Снова затрагивая вопрос эволюции. Интересно узнать, куда же всё движется. Люди предсказывают множество различных исходов цифровой эволюции, но пока что андерграундные клубы, лейблы и виниловая индустрия неплохо уживаются с эрой Битпорта, диджеев с ноутбуками и коммерческого дабстепа. Как тебе кажется, куда направляется андерграундная танцевальная сцена? Можешь поделиться своими надеждами или страхами? История повторяет себя? 
- Всё ходит по кругу. Мне кажется, мы живем в начале новой фазы распространения музыки. У меня очень сильная вера в то, что физические носители в какой-то форме еще вернутся, будь-то звукозапись или что-либо другое. Я просто не представляю будущего, в котором музыкальные и книжные коллекции будут существовать только в цифре. Коллекционирование потеряет смысл. Ведь самое веселое в том, чтобы собирать коллекции чего-угодно - это поиск физических, осязаемых объектов. Я недавно смотрел документальный фильм про Comic-Con и вот что думал: ведь никто особо не ценит PDF-файлы с классическими комиксами или JPEG раритетных бейсбольных карточек. Реальная вещь намного важнее. Вот почему многие любят собирать записи. Мне кажется, люди начнут сожалеть о том, что всё больше их исчезает.

- В прошлом году я побывал на паре твоих лайв-шоу, где наслаждался треками, которые успел полюбить за эти годы. Мне также нравится слушать твои диджей-миксы. В чем для тебя заключается разница между диджей-сетом и лайвом? Чему из двоих типов выступления ты отдаешь предпочтение? Какие задачи возникают в каждом из них?
- Задача диджеинга заключаются в поиске того плейлиста, который сможет развлечь публику. Иногда мне хочется отвлечься от этого и просто сосредоточиться на собственном искусстве, проявить в нём креатив. Игра вживую ограничивает меня собственными треками, что, конечно, гораздо легче, но здесь тоже есть свои подводные камни - если сет не воспринимается публикой, я не смогу с этим ничего поделать. Я могу изменить сетлист и аранжировку, но по большому счету - это всё я и только я. В данный момент мне больше по душе лайвы. Конечно, хочется использовать побольше разных устройств, но обычно я выступаю в диджейской кабине, так что приходится ограничиваться синтезатором и компьютерным микшером.

Kraftwerk-стайл

- Как мне кажется, разница между диджеем, который выступает для развлечения публики и сценическим артистом перерастает во что-то более интересное в том плане, в котором электронная музыка сегодня представляется на сцене. Насколько важна связь с публикой во время выступлений? Ты замечаешь разницу в этой связи во время лайвов по сравнению с диджей-сетами? 
- Когда я выступаю, как диджей, связь с публикой намного сильнее, ведь весь подбор треков основан на том, что я воспринимаю, как их реакцию. Когда я играю вживую - я вовлечен в процесс игры, будучи уверенным, что делаю всё правильно, что все параметры верны. Мне едва хватает времени, чтобы поднять голову и осмотреться вокруг. Может быть, это хорошо, что я меньше подвержен влиянию публики. Я ограничен собственными композициями и моя главная задача - сыграть их настолько хорошо, насколько это получится.

- Насколько отличается публика, которая приходит посмотреть лайв, от тех людей, которые посещают твои сеты? 
- Публика всегда разная, мне кажется, это больше проявляется здесь, в США. В Штатах проходит намного больше концертных шоу и люди более открыты к тому, что делает исполнитель на сцене. Если я играю вживую в Европе, находясь в диджей-кабине и прошу добавить какую-то аппаратуру, публика всё равно остается публикой, пришедшей на вечеринку и никакой разницы нет. Для таких мест, как мне кажется, больше подходит обычный диджейский сет.

Никто особо не ценит PDF-файлы с классическими комиксами или JPEG раритетных бейсбольных карточек. Реальная вещь намного важнее.

- Ты уже достаточно давно занимаешься электронной музыкой. Какие твои главные достижения или пиковые моменты, которые выбиваются из числа остальных?
- У меня были несколько на самом деле уникальных возможностей, включая шоу, которые мы провели в Дисней-Холле в Лос-Анджелесе, это на самом деле особенные выступления. Побывать практически в каждом уголке планеты - тоже великолепно.

- Расскажи поподробнее об этих шоу в Диснейленде. Чем отличается выступление в концертном зале от игры в клубе?
- Я играл там дваджы. В первый раз это был разогрев для The Orb на концерте, который продолжался до самого утра. Я играл с целым набором аппаратуры за столом, заставленным синтезаторами. Во второй раз я играл The End Of It All вместе с мужским хором из ста исполнителей. Трек был мною полностью реинтерпретирован, так же, как и все добавленные вокальные гармонии.

Наблюдать гонку из "Трона" на своем столе - что может быть лучше?

- Каково это, выступать с хором? 
- Это отличный опыт - иметь возможность сделать что-то подобное, особенно в такой обстановке.

- Акустика в зале была на высоте? 
- Зал приспособлен для акустических концертов. Он был спроектирован для лос-анджелесского филармонического оркестра. К тому же, у них высокоуровневые усилители, что не особо подходит для электронных шоу. Тем не менее, этажом ниже холла расположен The Red Cat Theater, где проводится масса синтезаторных шоу и авант-гардных программ. Я побывал на множестве выступлений, которые там проходили. Это лучшее место во всем Лос-Анджелесе.

- Можешь рассказать любую забавную или странную историю из своей карьеры? Если хочешь, можно без имен. 
- Их было так много, но, конечно же, сейчас ничего не приходит на ум. Вспоминаются разве что аварийные ситуации. Сейчас, по прошествии времени они кажутся забавными, но в то время они совсем не были такими. Разве что истории о том, как кто-то говорит какую-то нелепость за обедом, вроде итальянского промоутера, который много раз спрашивал у меня и Arian Leviste “ну как вам моя жена, красивая?”. Еще я помню, как один мой хороший друг из Германии играл передо мной в Токио и спросил, могу ли я начать играть сейчас же. Я согласился,а он отошел в угол сцены, скрючившись, сел на пол и оставался там сидеть, очевидно, чем-то отравившись. Правда, вскоре ему стало лучше.

- В том, что касается будущих лет, что поддерживает в тебе мотивацию работать над музыкой? У тебя есть в задумке проекты или идеи, которые ты хотел бы выполнить? Ты всё еще ищешь свой идеальный бит? 
- Я всегда стараюсь для чего-то, оттачиваю свою технику, умение сводить, качество звука, шлифовку... список может продолжаться и продолжаться. Совсем недавно я закончил работу над новым полноформатником. Надеюсь, что подробности скоро будут оглашены.

Источник: Createdigitalmusic.com

Читать дальше »

Barbara Morgenstern посидит в тишине

Tracklist

1. Sweet Silence
2. Need to Hang Around
3. Kookoo
4. Spring Time
5. Jump into the Life-pool
6. Bela
7. Highway
8. Night-time Falls
9. The Minimum Says
10. Auditorium
11. Hip Hop Mice
12. Status Symbol
13. Love Is in the Air, But We Don't Care

Если бы Барбара Моргенштерн записала свой шестой альбом зимой, я сказал бы, что вдохновением для него послужили поиски снежного человека. Но она сделала это в самый разгар весны, когда по всему Берлину расцветают каштаны. Правда, в отличие от киевских, в столице техно они - розовые.

Старушка Барбара - веселый и жизнерадостный человек. Она любит пугать прохожих странными звуками, поет о закрытии аэропорта в хоре, для которого сама пишет партитуры и никогда не воспринимает свое творчество всерьез. На этот раз мама германской электроники решила углубиться в поп-музыку и переключить язык раскладки для ввода текстов на английский. "Все просто - это язык поп-музыки. Большинство популярных немецких групп поют на английском, разве если только они не делают инструментальную или электронную музыку. Ну а мой родной язык для слушателя - большая экзотика". Кроме немецко-английского словаря в работе над альбомом певице также помог и "Кодекс поп-музыканта" - следуя его правилам ни одна из тринадцати песен, вошедших в Sweet Silence  не превышает лимит в 4 минуты.

Не смотря на название альбома, в процессе работы Барбаре почти не приходилось молчать. Если она и не пела - то говорила с  T.Raumschmiere. Мастер жесткого и безкомпромисного саунда помогал перевести забавные английские песенки в более клубное русло. "Мы с Марко дружим уже много лет. По началу я очень боялась, что мои песни покажутся ему слишком легкими, но он ушел в работу с головой и вместе мы изобрели нечто новое", - делится впечатлениями фрау Моргенштерн. Кроме Марко, который сыграл на басу в трех песнях и выполнил большую часть микширования, в "Сладкой тишине" отметился голос Marc Resier - участника Rechenzentrum, а певица и клавишница Tonia Reeh уже пакует чемоданы, чтобы отправиться с Барбарой в альбомоподерживательный тур.

Sweet Silence начнет растекаться из ваших колонок 22 июня. 

Читать дальше »

Guy Gerber: я мог стать профессиональным футболистом

Гай Гербер, наряду со Shlomi Aber и Guy J - один из самых известных диджеев Израиля. В 2012 году музыканту удалось подняться еще на пару ступенек выше по лестнице успеха, ведь всего за несколько месяцев он успел записать совместный альбом с Пи Дидди и смикшировать нестандартную компиляцию для серии Fabric, состоящую полностью из его новых треков. А еще - приготовить 320 сэндвичей и впервые попробовать вареную каракатицу, но об этом Гай расскажет вам как-нибудь в другой раз.

- Откуда пришло вдохновение для трека Mirror Game?  
- В первую очередь скажу, что за что бы я не брался - я стараюсь делать это максимально непохожим на всё остальное. Особенно в наши дни, когда музыка стала такой однообразной. Преимущественно меня вдохновляет инди-музыка. Дома я редко слушаю техно. В этом треке я играю на басс-гитаре в верхнем регистре, что похоже на музыку The Cure или Joy Division. Главной моей идеей было создать трек, который бы работал на танцполе и в то же время был песней. Я пытался сохранить теплоту звучания, насколько это вообще возможно, поэтому мало использовал миди-клавиатуру или компьютер. Большую часть партий я сыграл сам. Так что это чуть больше, чем просто ритмичная музыка.

- Как считаешь, твоя музыка и твой творческий метод изменились за последние годы? 
- В то время, как большинство музыкантов пишут музыку с помощью компьютеров и программных синтезаторов, которые, должен признаться, звучат довольно неплохо, я покупаю всё больше оборудования. Я ничего не имею против цифрового звучания, но это просто не моё. Я использую аналоговую аппаратуру, например, аналоговый компрессор или эквалайзеры и занимаюсь этим уже несколько лет. Это вот уже который год поддерживает во мне желание заниматься музыкой.

- Опиши то волшебство, которое происходит в твоей студии. 
- Моя студия - как комната с игрушками. В ней всё соединено между собой и я просто джемлю с оборудованием. Словно группа из одного человека. Я всегда начинаю с записи - не думаю, а сразу же играю. Я во всем такой, не только в плане музыки. Возможно, мне стоит быть продуманее по отношению к некоторым вещам.

- Ты как раз завершил работу над своим миксом для Fabric. Расскажешь о нём? 
Я решил, что сделаю 70-минутную композицию. Это почти то же самое, что записать один 70-минутный трек вместо того, чтобы свести все треки воедино. Я уже достаточно давно обдумывал подобную идею. К тому же, с тех пор, как я поработал с P Diddy и записал несколько инди-треков, я чувствовал, что устал от того, чтобы писать обычную электронику. Тем более, с моим подходом мне не пришлось бы делать интро или аутро в каждом треке, я просто нанизывал бы новые мелодии на одну нить. В результате получилось что-то вроде путешествия внутрь моей души. Коллекция моментов. Я закончил компиляцию за три с половиной недели и теперь вы можете провести 70 минут внутри моих разума и сердца.

Огромный моноблок - сердце студии Гербера

- А что особенного происходит в твоем сердце? Есть какая-то история? 
- Моя жизнь была очень драматичной. Много драм произошло в моем сердце за последнее десятилетие. Но девушки приходят и уходят, а музыка всегда остается со мной. Сейчас я на дне, но я наслаждаюсь этим. Я опускаюсь вниз, выплескиваю эмоции наружу и в определенный момент мне становится легче. Проще давать волю эмоциям, чем держать их внутри. Многие люди стараются скрывать их, но моя мама часто повторяет “лишь сильные люди не боятся показывать своих слабостей”. Я точно такой же. Я очень эмоционален, но я такой, как есть. Это даже забавно, потому что в других вещах я довольно робкий. Я не читаю своих интервью, не смотрю видеозаписей. Просто не люблю этого.

- Как тебе удалось остаться верным своим артистическим ценностям и корням, работая с таким коммерческим музыкантом, как P Diddy?
- Я думаю, для меня это послужило очередным доказательством того, что, что бы ни происходило, я всегда останусь собой. Я принял это предложение, как вызов выразить себя в другой музыкальной среде, при этом не позволив среде контроллировать меня. Возможно, это было правильным решением, возможно - нет, потому что для меня оно оказалось сложным и на то, чтобы завершить работу, ушла вечность. Но я хотел сделать что-то заслуживающее доверия и достичь этого было не просто.

Я закончил компиляцию за три с половиной недели и теперь вы можете провести 70 минут внутри моих разума и сердца.

- Ты доволен совместным альбомом с P Diddy?
- Я просто восхищен. Сейчас у многих людей, в особенности здесь, в Штатах, возникло что-то вроде навязчивой идеи по отношению к электронной музыке и благодаря его имени, они получают возможность послушать музыку, которую не стали бы слушать просто так. Электроника сейчас на  подъеме, но по большому счету это коммерческая и очень страшная музыка. Сам P Diddy слушает танцевальную музыку уже десять лет, он ходил в dc10 и более андерграундные клубы. Еще мне кажется, что как музыкант, я достиг в этой работе некоторых пиков, по крайней мере, я сам это ощущаю. Я всегда стараюсь двигаться вперед, ставить перед собой сложные задачи и не повторяться. Мне кажется, в этом проекте я справился со своей задачей.

- А в чем смысл названия проекта 11:11?
- Это название может означать время, но в тот же момент – это и столкновение двух слов, открывающее врата в другое измерение.

Лучший друг Гая - гитара с головой лошади

Supplement Facts

• В 2003 году Ассоциация Музыки Израиля наградила Гая статуэткой "Лучшего электронного артиста страны". 
• Fabric 64 - пятая компиляция в серии, состоящая исключительно из авторских треков. Ранее подобное уже удавалось провернуть Виллалобосу, Omar S, Shackleton и Pure Science. 
• Гербер всегда хотел записать собственный альбом на случай разрыва отношений. Что-то вроде Spiritualized – Ladies & Gentlemen We Are Floating In Space или Bon Iver - For Emma.
• Трек The Golden Sun and the Silver Moon лейтмотивом проходит через весь микс. Гай говорит, что вы можете считать его вторым названием компиляции.

- Я заметил, что ты увлекаешься визуальными формами искусства и уделяешь серьезное внимание обложкам релизов Supplement Facts. 
- Да, мне это нравится. В дизайне есть что-то интимное. Так как в электронной музыке практически нет слов, название и визуальное оформление играют большую роль в понимании сути трека. Да и вообще, имена для меня очень важны. Сейчас я как раз придумываю названия для треков, которые войдут в FabricLive и к завтрашнему утру я должен придумать 17 имен для сегментов компиляции, учитывая, что настроение в ней меняется от надежды к отчаянию или влечению. И я совсем не ощущаю, что мой разум…

- Способен справиться с этим? 
- Нет… Прямо сейчас я уже на грани… (смеется) Я работал так тяжело и сейчас я уже почти закончил, и… да, у меня были некоторые личные дела, с которыми тоже необходимо было разобраться.

- Расскажи о своем взрослении в Израиле. 
- Для меня Израиль – самое сложное место на целой планете. Это небольшая страна, но она влияет практически на все остальные страны запада. Религия, тысячелетние войны, споры – практически всё здесь погрязло в дискуссиях. Но в то же время, люди – просты и правдивы. Здесь нет места для поверхностности, а самая важная вещь – дружба. Именно такие ценности привили мне мои родители. Я начал играть в футбол с 8 лет, а закончил примерно в 18. Я даже участвовал в национальной сборной Израиля, был почти профессиональным игроком. Я на все сто был предан игре, посвящал ей все семь дней в неделю, но потом вдруг решил, что это – не мое. Я начал играть на гитаре в 17 лет и со временем стал относиться к этому всё серьезнее. Я начал читать книги по философии, стал более романтичным. Прошли годы, пока все вокруг смирились с тем, что я не буду футболистом.

- Как развивались твои талант и страсть к созданию музыки? И как ты вообще познакомился с электроникой? Благодаря музыке Joy Division?
- Именно. Я начал слушать The Smiths и Joy Division, в особенности Johnny Marr из The Smiths. Также я писал лирику и представлял, что в будущем смогу стать писателем. Но позже я осознал, что главная моя сила – в мелодии, с ее помощью я действительно мог создать яркую картину того, что желал выразить. Мое искусство заключается в том, чтобы вызывать у людей вопросы, заставляя их надеяться на себя. Я люблю, когда творчество служит пищей для размышлений. Я не был частью сцены, так что когда я слушал более альтернативную музыку, мне не было с кем ее разделить. Я изучал ее самостоятельно. Это было нелегко, но вокруг не было ни одного человека, который мог бы обучить меня или поделиться чем-то со мной. И это сделало меня тем, кем я есть.

Но на концертах его всегда сопровождает медведь Тэд

- В этом году ты играл бэк-ту-бэк с Сэтом Трокслером на DEMF?
- Он очень близкий мой друг. Когда мы играем вместе – это сродни волшебству. Бывают моменты, когда мы смотрим друг на друга на сцене и не осознаем того, что происходит, когда я даже не понимаю, кто играет, я или он. Мы отлично дополняем друг друга. При чем, мы совсем не готовимся, просто выходим и играем. Есть что-то особое в нас двоих.

- Расскажи о формате твоих выступлений. 
- Я его поменяю в скором времени. Возможно, перейду на Traktor с их новой системой, ведь они добавили на самом деле крутые новые функции. У меня множество инструментов, большинство из них – недавние приобретения, с которыми я работаю и просто джемлю. Также у меня есть контроллер и синтезатор. Иногда выступаю с ними, иногда – без. Мне не всегда легко играть на сцене. Я не могу играть только хиты или мои собственные треки, потому что я просто устал от них. Так что выступления – тоже своего рода вызов для меня.

Я не могу играть только хиты или мои собственные треки, потому что я просто устал от них.

- Что ты будешь играть или какую музыку писать через 3-5 лет? 
- Надеюсь, что это будут песни, а не треки. Пока мне всё еще нравится создавать треки, я все еще люблю ходить по вечеринкам и слушать танцевальную музыку. Но я был бы очень рад, если бы писал альбомы с песнями, лирикой, приглашенными певцами и всем в таком роде. А еще надеюсь записывать саундтреки.

- В каком клубе ты предпочитаешь отдыхать, когда не диджешь? 
- Если я не играю, то предпочитаю не ходить по клубам. Иначе я начинаю (смеется) посещать вип-клубы с ужасной музыкой. Хожу туда, где играет отстойная музыка, с которой можно смеяться, вместо крутых мест с настоящим хайпом и знакомыми лицами. К тому же, в этих других местах намного больше девушек. Это так нелепо, что даже весело.

Гай Гербер - брат-близнец КВН-щика Дмитрия Кожомы

- Ты мог бы назвать себя работоголиком? Когда-нибудь выбирался на отдых в горы, на пляж или просто на природу? 
- Я очень ленивый, на самом деле. Я ничего не успеваю вовремя. Я люблю пляжи, но не очень хорошо отношусь к отдыху на природе. Я городской человек, мне нужно, чтобы вокруг всегда были некоторые вещи. Сейчас я только начал наслаждаться жизнью в Лос-Анджелесе после двух месяцев торчания в дурацком подвале. Пару месяцев я не собираюсь ничего делать, просто хочу повеселиться. Я закончил один альбом, почти закончил и выпустил второй и сейчас хочу немного свободы. Отдохнуть, пошуметь, устроить разгром, создать проблем. Вот что мне нужно.

- Сейчас у ты стабильно держишься на волнах успеха. Успел пристраститься к славе и деньгам? 
- Слава лишает тебя личной жизни, а я по большому счету люблю приватность. Деньги же, к сожалению, ничего не делают кроме того, что раздувают твои аппетиты. Но я хотел бы достичь того положения, при котором смог бы поддерживать всю свою семью, а мои дети имели бы по крайней мере то же, что и я. А для этого мне еще нужно работать и работать.

- Не стань ты музыкантом, кем бы ты был?
- Думаю, из меня получился бы хороший концептуальный художник. Кто-то, кто много говорит об искусстве, но практически ничего не делает. Просто создает вещи, которые будут обсуждаться.
В школе я часто провоцировал моего учителя. Спрашивал его о предназначении искусства. Как-то нам задали сделать макет какой-то части человеческого тела. Я сказал что, не стану этого делать, мне это безразлично, к тому же из меня никакой иллюстратор, но учитель настаивал. Тогда я взял нейлоновую перчатку для мытья посуды, залил в нее воду, засунул палку и положил в морозилку. Получилось что-то вроде мороженного на палочке. Когда я представил ее классу, я сказал, что мое искусство направлено против музеев (с их высокой платой и всем в таком роде), что оно эфемерно и в любую секунду может растаять. К тому моменту оно уже изрядно растаяло и выглядело ужасно. Но учителю нечего было сказать, ведь это было искусство и оно отняло у меня всего минуту на изготовление.

- Ты сожалеешь о чем-то? 
- Я много о чем сожалею, но всегда лучше сожалеть о том, что ты сделал, чем о том, чего не сделал. Если оглянуться на прошедшие годы, кажется, что я не научился многому. Но я все еще работаю над этим. Одно могу сказать точно -  не пытайтесь ухаживать за юными девушками. Однажды я влюбился в юную девушку, сам не знаю, как так получилось. Я и так не самый нормальный человек в мире, а благодаря ей сошел с ума еще больше.

Источник: Рulseradio.net

Читать дальше »

Fairmont: люблю города, в которых никого не знаешь

Fairmont не спешит радовать нас подробностями своего нового альбома. Если вы собираетесь узнать о том, как продвигается работа и не собирается ли он в этот раз променять меланхоличное техно на нью-вэйв-диско, лучше подождите следующего интервью. В этом Джейкоб рассказывает о скейтбординге, тяге к дому и эмоциях на танцполе.

- Привет, Джейкоб! Твои работы выходили на самых разных лейблах (Traum, Echocord, Sender), но домом для Fairmont все же является Border Community. Что означает этот лейбл для тебя? 
- Border Community - это лейбл, который позволил мне быть собой и обучил меня массе интересных музыкальных идей. Его принципы вряд ли устроили бы другие, более крупные лейблы. Каждый раз, садясь за новый релиз, я мог двигаться дальше с прежнего положения. На Border Community никто не давит на тебя и не заставляет делать только ту музыку, которая была бы выгодной с коммерческой позиции, здесь главное - искусство. Залог успешности лейбла как раз и заключается в этом постоянном художественном поиске и целостности.

- Это также объясняет, почему релизы на Border Community выходят так редко. В то время, как другие лейблы не могут остановить поток своих конвейеров, Бордер выжидает нужного момента. Вот, что делает ваш лейбл успешным - ведь слушатели жаждут любой новинки. Похоже, что ты, да и весь лейбл в целом, движетесь в противоположном направлении к сегодняшней действительности, и я думаю, это похвально. 
- Каждый релиз должен иметь определенный смысл, как для музыканта, так и для лейбла. И мне кажется, что нужно быть благодарным за то, что у тебя есть фаны, заинтересованные в том, что ты делаешь. Когда ты начинаешь продвигаться вперед, штампуя треки без остановки - это не честно по отношению к ним.

- В моем представлении Border Community - это своего рода братство, членов которого объединяет общая концепция музыки и тяга к экспериментированию. Ты согласен с таким взглядом? 
- Да, нас определенно можно назвать братством. К тому же, мы совсем не вписываемся в современный мир танцевальной музыки. Многие из нас пришли на лейбл необычными путями, мы делаем музыку не потому, что хотим быть на сцене - скорее даже наоборот. Даже не говоря о музыке - все мы стали хорошими друзьями, а это многое значит. Я в хорошей компании с этими ребятами.

- И, куда без этого, хорошая компания оказывает на тебя огромное влияние в творчестве. Ты помогаешь остальным участникам лейбла улучшать их треки или альбомы?
- Не знаю, что там насчет помощи другим участникам, но в нашей команде есть ребята, с которыми я обмениваюсь идеями и делюсь музыкой. К тому же, не забываем о наших боссах - Джеймсе и Гемме. Именно ни оказывают наибольшую помощь, отшлифовывая наши работы перед релизом.

Иногда Джейкоб прячется в тени

- В вашу команду недавно влился новый участник Kate Wax со своим невероятно красивым альбомом Dust Collision. А как оцениваешь его ты? И насколько хорошо ей удалось интегрироваться в ваш клуб “невписывающихся в мир современной танцевальной музыки”? 
- Кейт - отличная девушка, ей удается создавать особую, неповторимую музыку, к тому же ее лайвы просто невероятны. Так что она отлично вписалась в наш коллектив - ведь все лучшие исполнители из Border Community разделяют те же качества. Каждый привносит частичку своей личности и свои способности в общую копилку.

- Твой трек Gazebo стал одним из главных хитов 2005 года, Resident Advisor даже называл его “клубным монстром”. Безусловно, это шедевр, но не стоит забывать и о других твоих работах. Я стараюсь описывать музыку с эмоциональной стороны. Твоя кажется мне глубокой, интенсивной и, возможно, тяжелой. Когда слушаешь ее, кажется, словно идешь неопределенным маршрутом. Ты согласен с таким утверждением? 
- Для меня нет никакого смысла в том, чтобы создавать музыку, не имеющую определенного посыла для слушателей, либо не значащую что-то для меня. Большая часть танцевальной музыки несет в себе только два элемента - энергию и громкость. Это словно музыка для упражнений, подобный материал меня совсем не интересует. Я хочу испытывать эмоции на танцполе, мне нужны сложные моменты и достигаю я их окольными путями. Музыка со слишком прямой мелодией и ритмом для меня скучна. Кстати, мне понравилось, что моя музыка показалась тяжелой для тебя. Я стараюсь делать то, что может показаться людям пленяющим. Музыка должна завлекать слушателя и медленно раскрываться перед ним.

У каждого исполнителя есть свой определенный набор инструментов, которыми он постоянно пользуется. Для меня голос - один из таких инструментов.

- Хорошо, но ведь сегодня легкая, танцевальная музыка намного более развита и, к тому же, она отлично работает на танцполе. 
- Я мало что могу об этом сказать. Конечно, есть люди, которых она делает счастливыми, но это просто не мое. Я стараюсь создавать клубный мир, который был бы полон мыслей и интересен для меня.

- Но в любом случае, твои треки захватывают внимание слушателя. Твое звучание точно можно назвать пленительным. И хоть ты никакой не шаман,  на разве Fairmont - не музыкальный чародей? Да, это дурацкий вопрос, я знаю. 
- Ну, я сам бы никогда не назвал себя чародеем или волшебником, но спасибо за комплимент. Мне хорошо с той музыкой, которую я пишу. Для меня она особенная и меня греет мысль о том, что никто не сделал бы её так, как я.

Иногда - может превращаться в невидимку

- Одна из особенностей твоего творчества - это голос. Ты пел в "Velora", "I Need Medecine" или "They Live In The Moon". Ты, возможно, где-то учился петь, либо просто пел в душе, как многие, или это было для тебя чем-то новым, что ты развил в себе со временем? 
- Я довольно рано начал петь. Первым моим вокальным треком был Over The Edge, вышедший в 2002 году под моим настоящим именем - Jake Fairley. Я очень волновался о качестве моего вокала и поэтому значительно снизил высоту голоса во время обработки. Я и сейчас не считаю себя каким-то там великим певцом, но все равно, со временем мой голос становится всё лучше. У каждого исполнителя есть свой определенный подход к работе и набор инструментов, которыми он постоянно пользуется. Для меня голос - один из таких инструментов и часть того, как я думаю о музыке.

Вдохновение - всего лишь часть уравнения. В него также входят мотивация, время и масса других факторов и все они должны сойтись вместе, чтобы получился хороший результат.

- Мы уже многое успели обсудить о Border Community, давай с вопросов о команде переключимся на вопросы о вдохновении. Что вдохновляло тебя на различных этапах карьеры и нужно ли тебе какое-то особое настроение, чтобы сочинять музыку? 
- Самый лучший вариант - это когда с самого начала у меня в голове уже сформирована готовая песня, либо если у меня появляется небольшая идея, которая быстро обрастает деталями. Обычно - это самые лучшие песни. Хотя, далеко не всегда всё так просто. Бывает, что я борюсь со звуками и идеями целыми днями, а в итоге практически ничего не получается. Вдохновение - это всего лишь часть уравнения, в него также входят мотивация, время и масса других факторов и все они должны сойтись вместе, чтобы получился хороший результат.

- Ты родился в Торонто, а сейчас живешь в Барселоне. Насколько оживленная электронная сцена у этих двух городов? Похожи ли они в этом отношении, к примеру, на Лондон или Берлин? 
- В Барселоне я провел всего пару месяцев и сейчас живу в Роттердаме. Я объехал уже, наверное, полмира и все еще наслаждаюсь возможностью бывать в городах, где ты практически никого не знаешь. Это освежает. Я успеваю сделать кучу работы и ощущаю в себе такую же музыкальность, как и в молодые годы. В Берлине или Торонто я слушаю ту же музыку, что и мои друзья, вдохновляюсь ею и создаю что-то похожее. Это полезно делать хотя бы пару раз в год, но не менее полезно быть наедине с собой, когда пишешь что-то новое.

Но проще всего в незнакомых городах становиться черно-белым

- Получается, что частые переезды даже помогают рождаться вдохновению. Благодаря тому, что ты работаешь диджеем, ты побывал во множестве стран, но у такой жизни ведь есть и обратная сторона медали? 
- Ты прав. Я много времени провожу в одиночестве. Приходится подолгу ждать рейсов в аэропортах, в залах ожидания, а со временем от этого очень устаешь. Но какой работе удается избежать подобных моментов скуки и одиночества? Думаю, мне не стоит жаловаться. Самое большое неудобство заключается в том, что я слишком много времени провожу вдали от друзей и семьи, которые остались в Торонто. Я уже пропустил массу важных моментов за последние десять лет. Хотя, конечно, я сам сделал этот выбор и получил невероятный опыт благодаря ему.

- Наверное, мы уже достаточно поговорили о Fairmont и его музыке. Давай переключимся на тебя, как человека. Чем ты увлекаешься? Что последнее ты купил или сделал интересного? 
- Я снова начал кататься на скейте пару дней назад. И это после годового перерыва. Из-за загруженного расписания и снежной зимы до недавнего момента это просто было невозможно. Так что я купил себе новую доску и не могу ей нарадоваться. Придется потратить большую часть лета, чтобы вернуться в форму. Сейчас это займет больше времени, ведь я стал старше, но, надеюсь, что через неделю-другую я снова буду ощущать себя на доске, как рыба в воде.

- Какие твои планы на будущее, если не говорить о творчестве и работе? 
- Сейчас я стараюсь проводить как можно больше времени дома, в Торонто. Постепенно я собираюсь переехать сюда насовсем, но это займет пару лет. А пока я все еще наслаждаюсь тем, что могу выпускать музыку и кататься по различным городам, как обычно.

-  Спасибо тебе за ответы, приятно было поговорить. 

Источник: High-five-magazine.com

Читать дальше »

Микс дня: Groj - Gottwood Podcast 030

Если Берлин давно застолбил за собой звание техно-столицы мира, то Монреаль, похоже, стремится завоевать титул родины самой странной электроники. Ведь далеко не в каждой стране найдется человек, способный составить конкуренцию техно-экспериментам Groj. Почему Кевин Джейми сошел с ума и какая музыка ему в этом помогла, вы узнаете из его недавнего микса и интервью для Gottwood.

Tracklist

1. Russian Linesman - Mosfellsbaer
2. Margot - Alt
3. Odei - Kumo
4. Panda Valium - Copaiba (Luke Abbott Remix)
5. Hot Chip - I Feel Better (Max Cooper Remix)
6. Averos - Soun (Groj Remix)
7. Liar - Liar (Morris Cowan Remix)
8. Dany Lo Scippo - Pads And Potatoes (Matthys Remix)
9. Panda Valium - Copaiba
10. Panda Valium - Copaiba (Groj Remix)
11. Luke Abbott - GrumbleBuy
12. Deepfunk - Apples And Apricots (Groj Remix)
13. Groj - Phoenix

- Привет, Groj! Как там Канада? Я догадываюсь, что погода у вас сейчас слегка отличается от британской?
- Канадская погода часто бывает очень переменчивой, но что интересно, она нередко совпадает с моим настроением. К примеру, в один день она может скакнуть от -5 градусов до +17, а потом снова вернуться к -5 на следующий день. Зимой у нас очень холодно, часто доходит до -25. Но никто никогда не доверяет прогнозам. Моя стратегия выживания в основном заключается в том, чтобы большую часть времени проводить дома, притворяясь, что взамен происходящего за окном, в моей голове существует альтернативная вселенная. Конечно, я делаю так по отношении к чему угодно, но, по крайней мере, в случае с погодой это выглядит оправданным и люди не считают меня психом.

- Да ладно, мы и сами здесь в Gottwood HQ уже давно не дружим с головой, так что отлично тебя понимаем. Не считая твоего микса для Gottwood, над чем еще недавно работалось?
- Ну, мне кажется, что сейчас у меня наступила творческая фаза. Вот, новый альбом уже почти готов, но я продолжаю писать музыку, пока вдохновение не исчезло. А уже потом начну отделять мякину от зерна. Недавно я разжился некоторыми очень приятными аналоговыми синтезаторами, так что в этом году буду работать с более живым звуком. Есть что-то особенное в треке, если он создан не с помощью автоматизации параметров, а записан с применением целой кучи оборудования.

- Целиком и полностью с тобой согласен. Нам не терпится посмотреть, как на фестивале ты вынесешь кучу железок и сыграешь с ними вживую. Но у нас также есть микс, который ты записал и о котором хотелось бы поговорить. Расскажи о нём поподробнее.
- Да, я был очень взволнован этой работой. У меня на руках как раз была масса особого неизданного материала. В микс также вошли несколько моих новых любимых треков и пара старичков, которые с годами только улучшили свое качество. Я хотел записать микс, который дышал бы весной, лесами, открытым простором. И знаешь, на некоторое время мне показалось, что снова наступила весна.

Один он - Groj, а вместе с Жан-Паскалем - Blokc & Groj

- Твой стиль лежит где-то между Techno, IDM и Twisted Bass. Откуда берешь вдохновение?
- Обычно я мало слушаю музыки, а если и слушаю - то одних и тех же людей. По какой-то причине я совсем не устаю от этого однообразия, каждый раз я замечаю что-то новое. В основном, это музыка Robert Wyatt, Richard D. James, Clark, Luke Abbott, Brian Eno, Can, Phillip Glass, и Trespassers W. Я изучал электро-акустику, так что достаточно подготовлен для экспериментального материала. Что касается техно, то, как правило, мне не нравится эта музыка, но есть небольшая охапка музыкантов, за творчеством которых я слежу. Это Morris Cowan, Stephan Bodzin, Matthys, Ryan Davis, Luke Abbott, Max Cooper и Gabriel Ananda.

Я хотел записать микс, который дышал бы весной, лесами, открытым простором. И на некоторое время мне показалось, что снова наступила весна.

- Как именно в твоей голове зарождаются идеи будущих записей?
- Вдохновение приходит довольно спонтанно и эпизодически. Иногда оно визуальное и проявляется в виде движущихся форм или органических структур. Что-то подобное часто мелькает у меня перед глазами, когда я просыпаюсь. Мне всегда это нравится, ведь визуальную форму легко запомнить и я могу вернуться к ней в любое время. В других случаях, вдохновение может быть связано со звуком или эмоциями, оно приходит в форме мелодии или ритма. Вот это уже реально досадно, ведь чаще всего подобное случается в самых неподходящих ситуациях, когда у меня под рукой нет ничего, куда я мог бы записать ноты и мне часами приходится пропевать мелодию в голове, избегая любых контактов с людьми, пока я не найду телефон или еще что-нибудь в этом роде.
Как только у меня появляется базовая идея, я могу возвращаться к ней в любой момент, сколь угодно расширяя, пока не получится что-то, что мне понравится. Я никогда не пользуюсь пакетами сэмплов, вся моя музыка сделана вручную с помощью микрофонов и синтезаторов. К примеру, некоторые ударные я записал, стуча по козырьку старой кожаной авиаторской шляпы, или с помощью пушистой, обросшей мхом палки, найденной в лесу. Есть еще барабаны, которые на самом деле являются ударами по стекляной чаше или стуком по упаковочной коробке. Некоторые шейкеры на самом деле - звук зерна, падающего на пергамент.  Моя студия - это полный хаос самых случайных предметов, расбросанных где попало. Друзья не любят ко мне заходить, им просто некуда присесть. Но что поделать? Если даже я сделаю уборку, через день всё снова будет выглядеть так, словно по комнате прошелся ураган.

- Какая сейчас канадская сцена?
 - Сцена у нас очень странная. В Канаде множество многообещающих продюсеров и это отличное место, чтобы опробовать свои идеи или эксперименты, но площадок или мероприятий на всех желающих просто не хватает. Хотя здесь проводится лучший по моему мнению электронный фестиваль в мире - Mutek. Так что, вы можете играть здесь и получить необходимый опыт, но вряд ли за этим что-то последует. Мы пытаемся организовывать небольшие вечеринки, получается приятно и интимно, но вряд ли вы сможете жить за счет этого. Сцена в Канаде преимущественно ориентирована на инди-рок, и это, в принципе нормально, ведь первопроходцы стиля - Silver Mont Zion родом из Монреаля. И сегодня наиболее популярные музыканты, такие как Arcade Fire, Austra и новички сцены Grimes продолжают традицию. Так что, в некотором роде, это затмевает собой богатство электронной музыки, создаваемой здесь. Но главная наша проблема - законодательные нормы по отношению к барам и клубам. Продажа алкоголя прекращается в три часа утра, к этому времени все клубы должны быть закрыты, а электронные мероприятия, как правило, длятся до самого утра. В итоге, ночь обрывается слишком рано и это, как я думаю, тормозит рост клубной культуры.

В Альпах Кевину часто встречались гномы и тролли

- Ты работал с Максом Купером. Откуда выросли ваши взаимоотношения?
- Макс несколько раз включал мои треки в свои чарты за последние пару лет. Особенно ему понравился ремикс, который я сделал для Mode B на его трек Antwerpen (релиз состоялся на лейбле Back Home). Я написал Максу письмо с благодарностью, а он как раз в то время искал ремиксеров для своего сингла Empirisch и предложил мне принять участие. Я был в восторге, но в то же время, это предложение перепугало меня. Я не знал, какое направление выбрать, но в конце концов, уделил этой работе некоторое время и результат удался. Это было для меня отличным опытом, мне кажется, я многому научился. Работать с ним - одно наслаждение, Макс очень скромный и профессиональный человек. Мы, кстати, виделись здесь, в Монреале, когда приезжал играть на Igloofest. Он умеет пить, ха-ха.
Фактически, музыка Макса стала тем звеном, которое вернуло мне интерес к мелодичному техно. То, как он сочетает эмоциональные темы и органический звуковой дизайн с танцевальным битом на самом деле переопределяет стереотипы, которые были у меня о техно музыке. Я думаю, он доказал многим людям, что техно тоже может быть очень чувственным, изящным и душевным. Моя музыка имеет много общего с музыкой Макса в этом отношении, так что, мне кажется, что его слушатели смогут почувствовать себя в своей тарелке, если захотят познакомиться с моим творчеством.  К тому же, я вырос в горах. Мое детство прошло во Франции, у подножия Альп и в моем воображении навсегда отпечатались камни, цветы, лесные гномы, потоки и косые формы. Так что, если люди ощущают в его музыке что-то научное и микробиологическое, возможно, моя покажется им более торфянистой, деревенской и психоделичной? Но ладно, это всего лишь игра слов. Мне кажется, мы все в любом случае ищем одно и то же.

Мое детство прошло во Франции, у подножия Альп и в моем воображении навсегда отпечатались камни цветы, лесные гномы, потоки и косые формы.

- Еще среди тем, о которых мы хотели поговорить, значится Box Records. Как я понимаю, ты управляешь этим лейблом. Как он появился и что вы собираетесь выпустить в ближайшие двенадцать месяцев?
- У меня было несколько причин, чтобы основать Box Records. Я записал очень много экспериментальных треков, вдохновленных релизами из каталога Warp 1990-2000 годов и понял, что у нас нет практически ни одного меньшего лейбла, который специализировался бы на подобной музыке. Большинство лейблов, даже если они и не планировали этого изначально, всё равно, начинают относится к музыке слишком серьезно и пытаются заработать побольше денег. Так что я решил, что должен открыть Box Records, как площадку для музыкантов, способных писать интеллектуальную и эмоциональную музыку, с их собственной эстетикой, должен был дать им возможность свободно изучать свои идеи. Мне кажется, я ищу чистоту. Исполнители получают 100% доход от продаж собственных релизов и так как всю остальную часть работы я взял на себя, я могу установить более низкую цену на  Bandcamp  для слушателей, которым захочется купить музыку в более высоком качестве, чтобы прямо поддержать понравившихся исполнителей. Та же схема используется повсюду в интернете - на iTunes, Spotify, Beatport, но я предлагаю более справедливую и более личную альтернативу холодным коммерческим сайтам, которые обворовывают людей и торрентам, которые обычно не предлагают музыку в высоком качестве.
Мне присылали довольно качественные и талантливые демо-записи, так что не переставайте следить за нами в этом году, мы собираемся выпустить множество отличной новаторской музыки. Прямо сейчас могу сказать, что у нас на подходе сингл от Blokc с просто великолепным вступлением и эмоциональной танцевальной электроникой. А еще - альбом Mig Dfoe - это лучшая музыка, которую я слышал от этого музыканта. Если вы послушаете его сингл Dogward, который вскоре выйдет на Manual Music, то в альбоме он собирается расширить взятый курс. И, конечно, многообещающий Defled из Испании, чью музыку просто невозможно описать словами.

Чего, думали, канадцы не умеют в огнях прожекторов блистать?

- Чьи выступления ты хотел бы увидеть на фестивале Gottwood?
- Честно говоря, я ничего раньше не слышал о других выступающих. Наверное, я знал бы о них, если бы выходил из квартиры почаще и был более открытым к новой музыке. Так что, единственное, чего я ожидаю - услышать новую музыку. Мне нравится, когда ничего не знаешь о выступлении наперед, интереснее знакомиться с группой, когда она на сцене. Срабатывает эффект полной неожиданности и раскрытия.

- Назови нам мелодию для утра, для танцпола и для воскресного дня, если получится.
- Хорошо. Нет ничего лучшего, чем Big Ship Браяна Эно, чтобы ваше утреннее кофепитие показалось вам самым эпичным в вашей жизни. Gabriel Ananda - Suessholz заставляет меня выделывать такие движения, которые, я вообще не представлял возможными. Ну а Talking Heads – Paper - это правильный ответ на вопрос про воскресенье.

- Твои фавориты 2011 года?
Исполнитель: Matthys
Лейбл: Origami Sound
Вечеринка: Moi Moi Collective Night

- И добьем тебя последним вопросом. Если бы ты знал, что должен застрять без средств в лесу, без каких пяти предметов ты не вышел бы из дому?
- Я взял бы чайник, авиаторскую шапку в стиле второй мировой, спирулину, сигареты и дуэльные пистоли моего прапрадедушки.

Читать дальше »

10 любимых синтезаторов Jean-Michel Jarre

Если Жак-Ив Кусто - человек-акваланг, то Жан-Мишель Жарр бесспорно - человек-синтезатор. Кто как не он знает всё об этих чудесных музыкальных машинах? Перед своей лекцией для Red Bull Music Academy Жарр решил рассказать о десяти инструментах, определивших его звучание.

E.M.S VCS 3 (1969)

Мой первый синтезатор. Европейский ответ американскому Moog: Мини против Кадиллака. Послевоенная технология привела нас к европейскому электронному звучанию, во многом отличающемуся от американского. VCS3 был одним из первых настоящих синтезаторов, использующих модульную технологию - технику, с которой я уже был знаком благодаря оборудованию, с которым работал в GRM (Le Groupe de Recherches Musicales - Группа Музыкальных Исследований) вместе с  Pierre Schaeffer. Я написал много разной музыки с помощью этого синтезатора, в особенности треки с альбомов Oxygène и Equinoxe, хотя впервые опробовал я его на Deserted Palace и композициях, которые сочинял для Парижской Оперы. Даже сейчас,  более, чем сорок лет спустя я все еще играю на нём на сцене. Наверное, это слегка безумно - считать, что ремеслянные технологии могут и сегодня сохранять свою изысканность. Когда я только начинал, этот синтезатор был моим главным инструментом, наряду с органом Farfisa  и двумя рекордерами Revox. Pink Floyd начали использовать его примерно в то же время - они добавляли электронные элементы к своей музыке, но для них этот синтезатор был второстепенным актером в роковых аранжировках, в то время, как в моей акустической палитре он был на переднем плане. 

ARP 2600 (1971)

Этот американский синтезатор очень быстро стал лучшим на рынке модульных и полумодульных синтезаторов -  он отличался от Moog наличием звуковых пресетов. Впервые включив ARP 2600, вы сразу же могли начать играть на нём, переключая потенциометры. Его стоимость гораздо ниже стоимости Moog, а звук - куда богаче. Я много использовал его в Oxygène и Equinoxe, а также на альбомах, записанных вместе с Christophe - Les Paradis Perdues (Lost Paradises) и Les Mots Bleus (Blue Words).  ARPы - словно Страдивари или Steinways (одна из старейших и крупнейших корпораций, выпускающих музыкальные инструменты) для электронной музыки. Мастеров, которые изобрели их сегодня мы можем поставить в один ряд со скрипичными мастерами или изготовителями клавикордов и пианино, словом всех акустических инструментов. 

Интересный факт: все электронные инструменты этой эпохи в большей или меньшей степени пропали с рынка в начале 80-ых годов с появлением DX7. Другими словами, это произошло в то время, когда японцы просочились на рынок синтезаторов с более агрессивным и коммерческим видением того, что должно доминировать в ранние дни существования электронных инструментов. Сегодня ARP заслужил статус классического инструмента, как пианино или саксофон - я уверен, что он будет использоваться в ближайшие два столетия. 

Сейчас существует тренд использования старых синтезаторов, но это почти то же, что дать Les Paul 58 или Fender 52  в руки гитаристу, который раньше играл разве что на Ibanez или ее бледной японской подделке. 

С ранних 90-ых техно-сцена расширялась плагинами и эмуляциями инструментального звучания, которые по сути были довольно неубедительными копиями аналоговых звуков. Я не хочу сказать, что предпочитаю аналог цифре, скорее даже наоборот - мне кажется, что они двое вполне могут сосуществовать вместе и моя музыка - доказательство этому. Но приходит момент, когда мы должны признать, что они далеко не равнозначны. Мы не можем сравнивать ARP, который сегодня продается за 30 000 франков (4 500 евро) с плагином, который можно купить за 50 евро. Это вопрос смысла. Взвесив все преимущества виртуального, сегодня мы осознаем, что состоим из плоти и крови и имеем потребность в эмоциональной и тактильной связи с нашими инструментами. 

ARP 2500 (1969)

Этот инструмент - старший брат ARP 2600, который был создан, чтобы бороться с модульным Moog. Одним из первых музыкантов, использовавших его в Европе был Pete Townshend из The Who. ARP 2500 - громадная машина, вы можете услышать его в хорошо известном проигрыше из песни “Baba O’Reilly”, который буквально воплотил в себя сущность звучания The Who. Да, это именно электронное звучание, а совсем не гитара. Я пытаюсь бросить нить в сторону Pete Townshend и Peter Gabriel - людей со схожим моему пониманием синтезаторов и первых музыкантов, обладающих Fairlight - следующим синтезатором, о котором я расскажу. 

FAIRLIGHT CMI (1979)

Fairlight был первым инструментом, непосредственно связанным с подготовкой, полученной мною в GRM под руководством Pierre Schaeffer среди всех, с которыми я работал. Речь идет об электро-акустической музыке или том, что позже назовут сэмплированием. С помощью Fairlight мы могли записывать и сэмплировать любой звук - городской, природный, домашний, а потом играть его на клавиатуре, создавать с его помощью ударные, аккордовые звуки, хоры, конструктивные элементы музыки или просто неправдоподобные звуки, которых не существует в природе. Этот инструмент звучит в стилистике лоу-фай, с массой обаяния, теплоты и дробности, возвращающей нас к композициям Bernard Herrmann и эстетике фильмов 30-ых годов вроде Метрополиса. Он сыграл знаковую роль в определении фирменного звука Питера Гэбриела и лейбла Real World, равно, как и в моем собственном звуке. Среди моих альбомов его можно заметить в Magnetic Fields, но особенно - в Zoolook, от начала и до конца записанном с помощью Fairlight. Oxygène и Zoolook - два очень разных альбома моей звуковой карты, ведь мы знаем, что это инструмент определяет стиль, а не наоборот. 

Fairlight показался мне экстраординарным с первого своего появления на рынке, ведь он напомнил мне о способе, которым я изучал электро-акустическую музыку в начале моей карьеры, когда речь шла о двух деках, ножницах и клеящей ленте. Zoolook мы записывали вместе с  Marcus Miller - одним из лучших, если не лучшим бас-гитаристом в мире. Он играл, а я сэмплировал его партии. Пройдя через Fairlight, звук полностью преображался - машина искривляла и модифицировала всё до неузнаваемости. Также для Zoolook я сэмплировал песни эскимосских и африканских племен, скорее по причине их звуковых качеств, чем потому, что это была этника - я не ставил перед собой такую цель. 

Peter Gabriel фокусировался на открытии новых видов музыки, измельчая фрагменты и интегрируя их в треки с более роковой, попсовой или электронной окраской. Мне кажется, что его подход в те годы определил и сформировал всю философию сэмплирования, которая через несколько лет переросла в диджей-культуру. 

Что заставляет меня смеяться сегодня, так это то, что в Fairlight для записи служили огромные ленты, каждая размером с журнал. На одну вмещается около двадцати звуков длительностью по секунде. Это архаично по сравнению с сегодняшними технологиями, ведь одна USB-флешка стандартного размера способна вместить содержимое 10 000 Fairlight-овских лент. Правда, ограничение этой машины вознаграждается чрезвычайной поэтичностью. Лет через пять, я думаю, мы заново откроем этот инструмент. 

Roland JD-800 (1991)

Следующий синтезатор - последователь философии DX7 и подхода японских синтезаторов, которые собирались финансово потопить всех американских производителей. Он попал в мой список потому, что это один из первых полифонических японских синтезаторов, который смог добиться сходства с аналоговыми инструментами. Правда, что я ненавижу в DX7 - он заставляет вас считать, что цель электронной музыки - всего лишь имитация звучания акустических инструментов. 

С помощью JD-800 вы можете менять параметры звука, как с  ARP или Moog, но с японским звуковым качеством, которое в некоторых отношениях более очищенное. Я много пользовался им на Chronology и Revolution. Эти альбомы обсуждаются гораздо меньше, но они сыграли важную роль в моей карьере, ведь они отметили тот период изменения, когда одной ногой я стоял в эре аналога, а другой шагнул в то, что вскоре стало цифровым. 

MEMORY MOOG (1982)

Первый аналоговый полифонический синтезатор. До его появления все модульные синтезаторы, такие как VCS3 и ARP были монофоническими. Если вам нужен был полифонический эффект, вы должны были играть четыре различных звука одновременно. Сейчас эта практика утеряна, что стыдно, ведь подразумевалось, что вы должны писать музыку тем же способом, что и для струнного квартета - то есть, для скрипки, альта, виолончели и контрабаса. 

С помощью Memorymoog и других синтезаторов, вышедших примерно в то же время, вы могли одним нажатием играть целые аккорды и это изменило всё. Как в лучшую, так и в худшую сторону, ведь в результате мы перестали создавать электронную музыку классическим способом, как делал это Wendy Carlos. Memorymoog был 8-ым по счету синтезатором серии Moog с той же формой, но множеством новых различных функций - теперь мы получили возможность сохранять звуки, которые создавали. Раньше нужно было, вооружившись карандашом и бумагой, записывать все требующиеся для создания звука операции, при чем из этих заметок никогда не удавалось снова воспроизвести первоначальный звук. С этого же момента вы смогли воссоздавать звук в оригинальном его состоянии даже через многие годы. 

 RMI Keyboard Computer (1974)

Этот инструмент, созданный в 70-ых годах был революционным, ведь это первый цифровой синтезатор эры аналоговых инструментов. В мире электронной музыки 70-ых годов цифровому вообще не было места. RMI функционировал по принципу аддитивного синтеза, в то время, как аналоговые синтезаторы основывались на субтрактивном синтезе. Проще говоря - аддитивный синтез похож на принцип работы органа в том плане, что вы можете добавлять друг к другу частоты и слои, точно так же, как на органе вы добавляете 32 педали, потом 16, потом 8, потом 4, что фактически является октавами, либо терциями октав, либо квинтами. Я применял эту технику на Deserted Palace и треке Oxygène 5, где целая секвенция построена с помощью RMI. Благодаря ему мой звук во многом отличался от всего, что вы могли слышать в то же время, ведь цифровое звучание отдавало определенной прохладностью. Этот синтезатор был для музыки тем же, чем в свое время стал фильм Трон для кинематографа. 

 EMINENT 310 (1970)

Этот синтезатор определил мое звучание от Les Mots Bleus Кристофа и песен Patrick Juvet до Oxygène и Equinoxe, в которых многие партии сыграны на нём. Я пользуюсь им даже сегодня. Наряду с VCS3, этот синтезатор - один из фундаментальных инструментов в моем творчестве. Этот орган создан голландцами, которые первыми поняли, как формировать аккорды из электронных звуков. Именно благодаря этому первому струнному ансамблю и родилась Solina, более известная сегодня, чем Eminent, не смотря на то, что он своим богатейшим звуком стоит трех таких Солин вместе взятых. Его можно услышать на Oxygène и Equinoxe, которым этот инструмент добавляет поэтапного скользящего ощущения. Предыстория этого звукового эффекта заключается в том, что я пропустил VCS3 и Eminent через Smalltone - фазовую гитарную панель, что и создало такое пышное звучание, похожее на гитарные аккорды, но, конечно же, намного более электронное. 

 Teenage Engineering OP-1 (2011)

Маленькая новинка, выпущенная менее года назад, которую представила в Швеции компания Teenage Engineering, основанная в 2003 году участником Академии David Eriksson. Этот синтезатор даже не кажется синтезатором - он небольшой и выглядит, словно игрушка Casio, хотя внутри прячется сложная машина, разработанная на базе военных технологий. Он цифровой на все 100%, но своими размерами и мобильностью определяет совершенно новый тип устройств. Прошло довольно много времени с тех пор, как я видел нечто настолько интересное, гибкое и творческое, как этот синтезатор. И, должен сказать, его изобретатели воссоздали то понятие, которого нам так отчаянно не хватало - юмор. Вспомните все Moog-и, ARP-ы и прочие первые синтезаторы, созданные увлеченными безумцами, строившими совершенно безрассудные и опасные в финансовом отношении инструменты. Изобратетели этого синтезатора распродали весь первый тираж OP-1 поштучно через Интернет, хотя инструкция была написана на японском, чтобы сбить нас со следа. Я встретился с ними после моего тура по Швеции - вся команда разработчиков пришла за кулисы и мы играли вместе. Я выбрал их синтезатор, чтобы показать - любой инструмент, не важно из какого он времени, может заслужить вневременную ценность. Я уверен, что музыканты будут играть на OP-1 в ближайшие 50 лет. 

 MELLOTRON (1963)

Еще один легендарный электро-акустический инструмент - это один из первых сэмплеров, появившийся задолго до Fairlight. Что интересно в Mellotron - так это то, что его придумали в то время (60-ые годы), когда философии сэмплирования не было даже в мыслях. Идея родилась у светлого ума, спросившего себя, как играть аккорды на электронном инструменте. Решение заключается в том, чтобы записать многоголосье в студии на кассету, а позже установить небольшие кассетные рекордеры на последние семь секунд и создать ноты на пианино.  Mellotron - это что-то вроде маленького пианино, в котором при нажатии на клавишу перо устанавливается напротив ленты, высвобождая кассету, которая будет прочитана головкой за семь секунд. Благодаря этому вы получаете целый диапазон звуков. Когда вы играете на Mellotron - создается ощущение, что вы слушаете саундтрек к немому фильму 30-ых годов. В музыке ясно слышится такое ноющее искривление, характерное для треков Beatles, Moody Blues и Procol Harum. Фактически, и поп, и рок-музыканты 60-ых годов активно использовали этот инструмент для записи многоголосья с винтажным ретро-ощущением. Звучание 40-ых, приспособленное к музыке 60-ых. 

Читать дальше »