Dan Deacon: как я поработал с оркестром

Электроманьяк Дэн Дикон записал свой очередной альбом. В этот раз - с симфоническим оркестром и целой командой профессиональных студийных работников, чьей главной задачей было угомонить Дэна и заставить его сосредоточиться на музыке вместо попыток подключить к своей голове лампочку. Что еще в этом веселом процессе осталось за кадром, вы сейчас и узнаете.

- Ты изучал электронную композицию в колледже. Где именно и какой была твоя учебная программа? 
- Я учился в школе, которая называлась SUNY Purchase, а потом в музыкальных классах здесь же. Проходил программу композиции, но фокусировался исключительно на компьютерной и электронной музыке. Моими преподавателями были двое людей. Первый из них - Dary John Mizelle, выпускник Stockhausen, который увлекался сложной и новаторской музыкой, настолько сумасшедшей, насколько ты можешь себе представить. Мне нравились заниятия с ним, но мне не хватало предварительных знаний, необходимых слушателю, чтобы оценить тот  пост-сериализм, который он писал.

- Получается, что первые песни, которые ты написал самостоятельно, были созданы на компьютере? 
- Не совсем. Ну, я действительно научился писать музыку с помощью компьютера. У меня была программка для записи нот в миди-формате, я нашел ее на семейном компьютере, собранном другом моего отца. Раньше я никогда не видел на компьютере пустого нотного стана. Все выглядело в точности, как MS Paint, разве что вместо линий, кругов и кистей здесь ты мог кликать на ноты, паузы, штили или ключи. Это просто взорвало мой мозг. Представь, как весело было кликать на ноты и слушать, как они звучат. Я мог проигрывать их снова и снова, что-то добавлять или изменять. К тому времени я уже был знаком с тем, как читать скрипичный ключ и что такое аккорды - я играл на тромбоне в школьной группе. Было такое ощущение, словно “чтобы достичь этого, я дважды в неделю хожу в спортзал”.

- Похоже, ты действительно понимал, что будешь заниматься этим в будущем? 
- Точно. Позже, в колледже я изучал политологию и ходил в драмкружок - я был классическим американским выпускником старших классов, который понимал, что если он не поступит в колледж, то попадет в “круг позора”. Но потом до тебя доходит, что таким хитрым способом тебя заманивают в огромную долговую яму. "Вау, я просто иду в колледж без особой на то причины и должен платить за это десятки тысяч долларов". Я думал о том, чтобы бросить учебу, но мои друзья уговорили меня по крайней мере попробовать поступить на курс музыки. Ведь всё, что я делал целыми днями - это работа над миди-файлами. В начале моей реакцией было “да ну, вы должно быть шутите, ни за что на свете”, но слава Богу, что я их послушал, ведь это на самом деле кардинально изменило мою жизнь. Я поступил на программу, прошел все необходимые академические курсы и единственным, чем я должен был заниматься, стало изучение музыки.

Дэн и его цветные проводки

- Ты ведь не прекратил писать музыку во время учебы? 
- Конечно нет. Правда, в то время меня переклинило и я начал писать ее вручную. Мне надоели ограничения компьютера, то, насколько всё было жестким и квантированным. Я хотел, чтобы музыка была свободной, мне нравилось свободное течение и абсурдная природа, которую люди могут внести во что-то такое серьезное, как концерт. Ну, ты понял, о чем я говорю, да?
Я всё еще писал компьютерную музыку, правда, уже не для школы. К примеру, композиции для двух флейт, которые никем никогда не были сыграны, и вряд ли будут. Это такие студенческие эксперименты, мне хотелось, чтобы флейты прыгали в диапазоне, или чтобы музыка исполнялась на тройном форте на пять октав ниже, чем они реально могли бы сыграть.

Раньше я никогда не видел на компьютере пустого нотного стана. Все выглядело в точности, как MS Paint, разве что вместо линий, кругов и кистей здесь ты мог кликать на ноты, паузы, штили или ключи.

- Твоя музыка обладает поразительным количеством слоев. Взять хотя бы песню "True Thrush" - как тебе удается выстроить что-то подобное? 
- Всё благодаря партии ударных, сыгранной барабанщиком Danny Bowen, я хотел смиксовать их, заставить звучать, как синтетический инструмент, но чтобы у них осталось это живое ощущение, грув. Не такой, который вы могли бы получить с помощью компьютера или секвенсера - здесь совсем другое ощущение. Мне кажется, что краеугольная идея этой записи в том, что она не принадлежит ни к электронной музыке, ни к акустической. Это электро-акустика, она относится к обеим кругам. Я начал работать с электронной музыкой, потому что она была доступнее мне. У меня был компьютер и я мог писать с его помощью, не беспокоясь о расписании других людей. Я мог поехать в тур, и если бы я зарабатывал всего по 15 долларов за ночь, мне не пришлось бы делить их с другими. Так что электронику я начал писать по двум причинам - от любви и просто потому, что я мог писать только ее. Если бы я написал пьесу для оркестра, она никогда не была бы сыграна, а я хотел сосредоточиться на работе, которая существовала бы, которую могли бы услышать люди, которая развивалась бы, а не лежала в коробке в шкафу.
В любом случае, я не устал от электроники, но я начал ощущать ее ограничения, ведь ясно, что между музыкой, сыгранной человеком и записанной компьютером существуют отличия. Для одной совершенство - бесконечно, для другой - ограничено. И как раз это ограниченное совершенство компьютера и является его лимитом. Ну, ты понимаешь. Квантированный бит никогда не имеет тех легких погрешностей ритма, которые может допустить барабанщик. Даже самый опытный ударник не всегда попадает в ритм точно, он не может ударять каждые 1.8356 секунды, время между ударами может колебаться вперед и назад. Ты можешь делать что угодно, чтобы твой компьютер звучал, как виолончель, но он никогда не заменит живую виолончель. Музыка в America берет безграничные звуковые просторы электроники, ее точность и тембр и соединяет их с хрупкостью акустических инструментов. Это очень интересное слияние звуков.

Анатолий Вассерман

Веселые истории 

• Любимые комики Дэна - Джон Кэнди и Стив Мартин, еще ему нравится скетчком The Kids in the Hall. 
• Один из его треков посвящен Вудди Вудпекеру. 
• Ударные для Woof Woof склеены из собачьего лая, кошачьего мяуканья и кряканья. 
• Дэн пообещал себе, что каждый раз будет придумывать новую ложь в ответ на вопрос о значении слова Bromst.

- К тому же, как раз на этом альбоме ты начал работать со струнными инструментами. Prettyboy - отличный пример электро-акустической песни. Она воплощает в себе всё, о чем ты говорил.
- Да, здесь у нас синтезатор с секвенсором в задержке, фазеры.

- Они точно называются фазерами?
- Угу.

- Звучит в соответствии с названием. 
- В альбоме воплотились три типа вещей, с помощью которых я пишу музыку: компьютер, электронная аппаратура и акустические инструменты. Мне кажется, большинство композиторов не хотят себя ограничивать. Им нужно всё и сразу - сэмплы, электроника, компьютеры, синтезаторы, музыканты-виртуозы и впервые в жизни это стало доступным и для меня. Я мог сесть в кресло и сказать “мы можем записать струнные и духовые ансамбли, у нас есть время и ресурсы, так давайте сделаем это” или “давайте вместо этого фагота сделаем синтезатор, который звучит, как фагот. Или не так - пусть он звучит по другому, но у него будет такой же диапазон и такие же обертоны, как у фагота. Или давай сначала все же проверим, как будет звучать настоящий фагот”.

- Недавно состоялась премьера твоей оркестровой работы с Kitchener-Waterloo Symphony. Ты впервые писал музыку для такого большого коллектива? 
- Впервые я написал музыку для оркестра и она была представлена на сцене. Я уже писал оркестровки в колледже, но, опять же, они не были реалистичными. Я не скажу, что новые пьесы более реалистичны, но это произошло впервые.
Умение писать музыку похоже на любой язык. Если ты в течение долгого времени не пишешь и не говоришь на нём, он забывается. И вот, я забыл практически всё, кроме основных существительных и глаголов того, в чем заключается сущность написания музыки. Я так долго работал на компьютере, что успел развить свой собственный язык. Я работал не с нотными страницами, а с окном отпечатков клавиатуры, с автоматическими линиями и штуками, которые больше всего смахивают на какие-то столбиковые диаграммы.
С тех пор, как я общался с музыкантами, прошло много времени, очень много. Так что сотрудничество с Kitchener-Waterloo, в особенности работа с So Percussion, реально стала для меня шоком. Я понял, сколько всего я забыл, какие особенности и нюансы существуют при работе с каждым инструментом. К примеру, ты пишешь для виолончели. Не просто делаешь миди-демо, а пишешь для настоящего инструмента. Ты должен погрузиться в него, понять, что виолончелист может привнести в музыку. Это восхитило меня в работе  людьми.

Фотография на фоне "Америки"

- В чем заключались главные сложности этого сотрудничества для тебя? 
- Pretty Boy - отличный пример, чтобы рассказать об этом. Первоначально он был написан для трех бас-кларнетов. Проигрыш, который заканчивается перед частью фаготов - очень ловкий и быстрый. Игрок сомневался, сработает ли это на басовом кларнете. Он мог сыграть этот ход, но считал, что он более подходит для фаготов. Мы решили ввести фагот и не ошиблись - это сработало на отлично.
Также у нас был скрипач - Victor Ruch. Вместе с ним мы показывали каждому игроку его партии. В основном мы просто давали им ритм и тональность, базовую информацию о нотах, а потом пробовали это в студии, экспериментировали с разной артикуляцией. С Виктором было очень легко работать - мы интерпретировали различные партии, добавляли лиги и штрихи, что-то повышали, что-то убирали и это окупилось. Его взгляд на все скрипичные партии словно подарил им новую жизнь. Его мы записывали одним из первых, так что Виктор в некотором роде задал тон для работы с оставшимися тридцатью струнными музыкантами.

- Ты назвал свой альбом “Америка”. Люди теряются в догадках, чем это вызвано - политикой или географией? 
- Обеими сразу. Определенно, для музыки главным вдохновением была география. Я очень много путешествовал по стране за последний год во время тура. Это тяжело, ты на самом деле начинаешь ненавидеть каждый аспект американской культуры, но нельзя отрицать того, что земля у нас красивая. Ты ведь понимаешь, о чем я?

Мне хотелось, чтобы флейты прыгали в диапазоне, или чтобы музыка исполнялась на тройном форте на пять октав ниже, чем они реально могли бы сыграть.

- Это чувствуется в названиях. Первый, к примеру, называется “США 1: это монстр”. 
- Я назвал его в честь моей старой любимой группы The USA Is a Monster, она вдохновила меня написать начало этой композиции. Они выступали у меня дома и это было по настоящему эпично: бушующее шоу, где они просто играли, играли и играли.
Однажды я сел за компьютер и подумал, а не написать ли мне что-то длинное? И в результате всё обернулось сохранением файла под названием "USA Is a Monster", вдохновленного тем выступлением. Мой компьютер был ужасным, программы рушились каждые пять минут и мне приходилось постоянно сохраняться. Именно поэтому я ничего не мог найти - у файлов были страшно длинные имена вроде "USA IS A MONSTER_ДАТА_ДЛИННОЕ ОПИСАНИЕ ИЗМЕНЕНИЯ", так что в итоге я просто стал называть файлы "USA". Наверное, это каким-то образом подсознательно начало влиять на меня и я стал больше думать о Штатах, чем о группе USA Is a Monster. Я думал о ночной пустыне и множестве тех вещей, которые рождаются в подсознании. Будто мой мозг играл со мной в какие-то свои забавные игры в процессе работы. Обычно я не сижу с мыслями “так, сейчас я изображу с помощью звуков это прекрасное озеро”, я так не работаю.

- Возможно дело в более кинематографическом подходе, вроде аэросьемки в кино. Сильнее всего это ощущается в песне "Rail". Под нее мне представляются люди, работающие на железной дороге из какого-то фильма об иммиграции на рубеже веков. Разве это не так? 
- В понимании музыки не может быть неправильного пути. Твое мышление отличается от мышления любого другого человека. У меня была бы тяжелая жизнь, если бы ко мне подходили слушатели, говоря “Йоу, когда я слушаю твою музыку я слышу то, чего ты никогда в ней не замечал”, а я отвечал бы “Да ладно, ты ошибаешься”. Я бы сам ошибался. Не существует способа, с помощью которого можно было бы рассказать другому о том, как нужно слышать музыку, я даже не уверен, что микрофон, который ты сейчас видишь такого же цвета, каким вижу его я. Кроме нескольких базовых общих вещей нет возможности интерпретировать наши ощущения реальности. Мы, разве что, сходимся на ощущении температуры.

Ассистент держит посох с колонкой, пока Дэн ведет экскурсию

- Ты говорил, что хочешь выпускать музыку, ценность которой в самой музыке. Она не обязательно должна нести в себе сюжет или историю. И потом я дохожу до этого  четырехчастного фрагмента альбома, который называется USA и ощущаю, что попал прямо в середину поветствования. 
- Да, этой записи определенно присущ поветствовательный элемент. Говоря музыкальными терминами, это скорее программная музыка, чем абсолютная. Мне кажется, это одновременные, размещенные рядом рассказы. Первый - о музыке, это праздник, вдохновение от географии и лирика, второй - об отчаянии, смятении и гневе к тому, куда катят культуру корпоратизм и повальная коррупция, он о недостатке веры в правительство.
Вы не найдете сейчас человека, который восторгался бы американским правительством или курсом, которым наша страна движется сейчас. Вы можете заговорить с кем-нибудь из “Захвати Уолл-Стрит” или Движения чаепития, либо кем-то, кто вообще не имеет никакого отношения к политике и спросить “как вам кажется, хорошо ли справляется наше правительство?” и я не думаю, что он ответит “Да чувак, всё отлично. Мне нравится то, что они делают. Я люблю Конгресс, люблю Президента, люблю Верховный суд. Они все просто крутые ребята. Я их люблю и не меньше”. Нигде вы не найдете такого человека.
Эта запись политическая по своей природе, но всё сделано достаточно тонко. Я не думаю, что ты сможешь заставить кого-то задуматься о себе и своем отношении к проблеме, прямо указав на нее. “Эй, ты в курсе, что ты непосредственно ответственен за эксплуатацию других людей?”. Кто захочет услышать такое? Я сам не хочу, но для меня важно осознавать это. И с помощью альбома я спрашиваю о своей роли в обществе, с которым я не во всем соглашаюсь - как мне изменить себя, чтобы улучшить его?
Музыке подвластна такая роскошь - маскировать идеи, облекать их в рамку контекста, который не смог бы существовать другим способом. Когда я говорю о вопросах, которые кажутся мне сложными, напряженными, грустными или вызванными яростью, я оформляю их с помощью вдохновляющей музыки, поднимающей дух и способной показать, что перемены возможны. Что ничего не останется без внимания и без будущего.

Девять из десяти услышанных вами звуков - синтетические. Мы живем внутри музыкального полотна и даже не осознаем этого.

- Есть ли песня, которая сразу приходит тебе на ум в этом плане?
- Я думаю, самым простым примером может быть Lots. Ну или USA IV с наслоением вокалов. В основном, это диалог с самим с собой обо всех этих темах.

- Не всегда ясно, что именно ты говоришь. 
- Голос для меня такой же инструмент, как и любые другие. Лирика не стоит на первом плане. К примеру, я люблю Nirvana и больше всего мне нравится то, что я понятия не имею, что Курт поет большую часть времени. Это голос, человеческий голос. Мне нравятся The Boredoms и я точно так же не понимаю, о чем они говорят. Но я хотел, чтобы в этом альбоме была лирика. Кто-то может сказать “мне все равно не понятно, что ты говоришь”, но для меня слова в моих песнях - словно голые на ветру, они просто есть.

Дэн так и не научился изображать Спока

- Что ты мог бы сказать людям, которые пренебрежительно относятся к электронной музыке? Я слышал, что ты частенько говоришь о том, какой тип музыки пытаешься делать, что хочешь сказать с ее помощью и какой видишь свою роль. Ты когда-нибудь сталкивался с подобной критикой? 
- Нет, я не ощущал подобной критики, но мне кажется глупостью, что люди все еще называют электронную музыку электронной. Это все равно, что называть гитарную музыку гитарной. Какой в этом смысл? Электронная музыка вошла в музыкальные словари 60 или 70 лет назад. Большая часть поп-музыки сделана исключительно с помощью электронных инструментов. Сейчас многие говорят, что электроника проникает в мэйнстрим, но она всегда была мэйнстримом. Когда люди говорят об электронике, они чаще всего имеют в виду музыку без вокала, с драйвовым битом, под которую ноги сами идут танцевать. А мне представляется что-то вроде Britney Spears, большинства хип-хоповых исполнителей, Devo, Talking Heads или еще чего-то в этом роде. Все они активно используют элементы электроники, но также и гитары, и вокал, поэтому слушатели ассоциируют стиль с этими инструментами скорее, чем с электронными. Ну а если исполнитель обходится без гитар и ударных, использует электронные инструменты, а его голос подается через задержку и со значительной обработкой тона, когда всё в целом звучит синтетично, тогда, конечно же, они фокусируются на синтетической природе. Но для меня эти тембры существуют очень давно, а электроника просуществует еще дольше. Когда кто-то говорит о том, что электроники на долго не хватит, я думаю, а зачем нам нужно пианино, которое может играть и громко и тихо, если я хочу, чтобы все ноты звучали одинаково. Когда есть клавесин, зачем нужно пианино?

- Ты всё больше и больше увлекаешься оркестрированием. Недавно ты столкнулся с новым типом публики и мне интересно, как все проходит? 
-  Думаю, в целом - довольно хорошо. Большинство людей, которые интересуются новой музыкой, открыты к любому источнику звука. Мы постоянно плаваем в море звуков - сирен, телефонных гудков и сигналов заправочных станций. Они проникают в нашу систему, девять из десяти услышанных вами звуков - синтетические. Мы живем внутри музыкального полотна и даже не осознаем этого. Слушая звуки окружающей среды John Cage, записанные 50 или 60 лет назад, удивляешься тому, каким всё было раньше и насколько больше хаоса окружает нас сегодня.
Мы существуем в этом синтетическом, хаотичном окружении и наша музыка начинает вбирать это в себя.
Мне кажется, минимализм в поп-искусстве появился во время зарождения массового производства, когда оно проникло в образ мышления каждого человека. Сейчас мы переживаем период времени, когда массовое производство все еще существует, но всё постоянно изменяется и трансформируется, хаотичность растет среди единобразия и однородности. Вот, что я думаю о своей собственной музыке.

- А какими были твои впечатления, когда ты впервые услышал, как симфонический оркестр исполняет твою музыку? 
- Было просто безумно. Все время с начала моей карьеры я думал “Это безумие! Как это вообще произошло? Я что, больше не тот парень с двумя баксами в кармане, разыскивающий хоть какую-то еду, чтобы перекусить?” Это сюрреалистично, это восхищает меня и кажется, словно в моем мозге пробудилась какая-то часть, о существовании которой я даже не подозревал.

Источник: NPR.org

Читать дальше »

Микс дня: Ricardo Tobar - IA MIX 76

У Джеймса Холдена много детей. Так много, что даже Сороке-Вороне с трудом удается их прокормить. Почти все они - уроженцы британских островов, за исключением одного очень особенного человека. Он прибыл в команду Border Community из Чили - страны, которую назвали в честь перца. Его зовут Рикардо Тобар и он собирается представить вам свой новый микс.

Tracklist

1. Here We Go Magic - Only Pieces
2. Ryoma Takemasa - Deepn
3. Eqd - Equalized 11110
4. Autumn - Behind You
5. Sandra Electronics - Live In Sb Ca 2009
6. Das Ding - Take Me Away
7. Bookworms - African Rhythms
8. Ricardo Tobar - Together
9. Starship Commander Woo Woo - Mastership
10. Rene Breitbarth - Woosave
11. Tevo Howard - Spacial
12. Ricardo Tobar - Esoteric

- Привет! Представься, пожалуйста и расскажи немного о себе. Где ты сейчас живешь, чем занимаешься?
 - Привет, меня зовут Рикардо Тобар и я пишу музыку. Живу я в Париже, где стараюсь освоить третий язык и закончить альбом, который вот уже который год обещаю выпустить своим близким.

- Ты родом из приморского городка Винья-дель-Мар в Чили. В каком возрасте ты впервые заинтересовался музыкой и когда начал экспериментировать с электроникой? 
 - Сейчас мне кажется, что я начал писать музыку еще довольно юным. Всё началось, когда мне было 15 лет. Я слушал песни, которые в то время мне казались жутко электронными, а потом, когда мама купила мне компьютер, я скачал первый попавшийся набор программ для звукозаписи и начал их осваивать.

- Я впервые услышал твою музыку в 2007 году. Это был “El Sunset”, вышедший на Border Community. Как ты попал в компанию Джеймса Холдена?
- Да, это мой первый релиз. Контакт с Джеймсом мне помогла установить демо-запись, которую я ему послал. Она понравилась всем на лейбле и мой релиз вскоре выпустили.

- А как по твоему, сочетается ли твоя музыка с дискографией лейбла и стала ли она хорошим пополнением для каталога Border Community? 
- Наверное, да. Я никогда об этом не задумывался. Я надеюсь, что сделал достойный вклад в их каталог. И да, надо сказать, что музыка Border Community была единственной электроникой, которую я слушал в то время, так что для меня просто естественным шагом было предложить им свою запись.

 - Твои релизы привнесли некую новизну и повлияли на будущие работы лейбла?
 - Надеюсь, что да. Я всегда ощущал, что моя музыка отличается от чьей-либо другой. Хотя, наверное, каждый так думает о своем творчестве, ха-ха... Они обозначили эпоху в электронной музыке и я на самом деле ощущаю гордость от того, что тоже сделал свой вклад в это. Вряд ли я привнес что-то радикально новое. Сложно сказать, но я старался сделать всё, что в моих силах.

Миди-клавиатура часто пытается сбежать от Рикардо

- Можешь рассказать о том миксе, который ты записал для Inverted Audio, о его общей атмосфере, подборе треков. Как и где ты посоветовал бы нашим читателям его слушать?
 - У меня получился такой странноватый микс. Все в отдельности песни достаточно разные и свести их вместе было сложно, но это как раз та электроника, которую я слушаю. По моему, это больше комнатный, чем танцевальный микс. Его нужно слушать, сидя на диване.

 - Часть твоих релизов выпущена на Traum Schallplatten. Чем тебя привлек этот лейбл, почему ты решил выпускаться также и на нём? 
 - У Traum отличный каталог, многие из выпущенных там релизов послужили вдохновением для моего творчества. Ну и, конечно, многие ребята с BC выпускались у них, так что и я тоже решил послать свою демку.

Музыка Border Community была единственной электроникой, которую я слушал в то время, так что для меня просто естественным шагом было предложить им свою запись

 - Продолжу спрашивать о звукозаписывающих компаниях. В этом году у тебя вышло две пластинки “Esoteric” и “Betweener”. И обе - на небольших, малораскрученных лейблах. Почему ты предпочел их тем гигантам, на которых издавался раньше? 
 - Ну... по отношению к моей музыке я свободен посылать ее туда, куда посчитаю нужным без того, чтобы выслушивать разное снобство. В этом году я решил, что стоит выпустить чуть побольше нового материала. Раньше я уже разговаривал с Guillaume из In Paradisum, который также заправляет лейблом Full House в Париже. Так как я сейчас живу здесь и мне нравится тот материал, который выходит под его крылом, я решил, что и мне тоже стоит пополнить их каталог своим релизом. Точно та же история и с Knopje - я очень хорошо знаю владельца, он промоутер в Нидерландах и для меня приятно выпустить что-то в этой стране, у них просто отличные люди. Что мне нравится в маленьких лейблах - это то, что они свободны делать всё, что захотят. А это очень важно в любом виде искусства.

- Об “Esoteric” можно сказать, что это “непреодолимая тяга мгновенно раствориться в звуке”. В чем заключается твой метод написания музыки? Ты вдохновляешься окружающей средой или какими-то конкретными стимулами?
 - Я об этом частенько думаю, но однозначного ответа у меня нет. Я просто стараюсь создавать то, что является для меня особенным. Музыку, которая имеет определенное значение для меня. Названия песен также важны. На меня может повлиять что угодно.

 - Слушая два твоих трека, Pequenita и Recuerdos, невозможно не заметить, как сильно они подвержены влиянию музыки Aphex Twin. Я даже готов поспорить, что ты вдохновлялся его творчеством. Так вот, какова твоя связь с его музыкой и какие методы Ричарда ди Джеймса ты перенял себе? 
 - Ну... Aphex Twin - он ведь король электроники, разве нет? Я всегда любил его мелодии, у них поразительная глубина. Иногда, если оценивать трек в целом - он кажется слишком хаотичным, но вот Афекс помещает в него мелодию и кажется, что всё упорядочилось. Я не могу сравнивать свою музыку с его, но, наверное, главное, что я взял у него - это возможность быть выразительным, но не броским или напыщеным в музыкальном плане. А это сложно, на самом деле.

Поэтому, чтобы играть спокойно, он приколачивает инструменты гвоздями

 - Каким оборудованием ты сейчас пользуешься в студии? 
 - О, я настолько стесняюсь своего студийного оборудования, что не хочу даже и говорить об этом. У меня кассетник... пара драмм-машин...

 - Ты включил в микс свой новый трек - “Together”. Он был на YouTube с июня 2011 года и для меня он - один из лучших треков всех времен. Пролей, пожалуйста, свет на историю его создания. И будет ли он выпущен, как сингл? 
 - Это приятно слышать, спасибо. Да, он будет выпущен на лейбле Генри Сайза Natura Sonoris. С Генри мы дружим уже многие годы и когда он записывал свой микс для Balance, то связался со мной и спросил, не найдется ли у меня трека для него? Together ему понравился и он согласился его выпустить. Работа заняла достаточно много времени, но сейчас релиз уже готов и вскоре он выйдет вместе с двумя новыми треками - Teenager и Jamaica Sun.

 - А что ты говорил насчет альбома? Когда собираешься его выпустить? 
 - Я его выпущу в любом случае. Годами я экспериментировал со звуком, чтобы достичь того, что умею делать сейчас, чтобы быть довольным своей музыкой. Но мне также кажется, что я готов и для чего-то нового. Мне просто не хочется выпустить релиз для галочки - лишь бы было. И к тому же, мне нужно подыскать подходящий лейбл для этого.

 - Случались ли аварийные ситуации на твоих лайвах и диджей-сетах? 
 - Конечно да. Самое худшее, что происходило - это выход из строя компьютеров. Но люди всегда очень добры, они поддерживают тебя. Вот почему нужно любить людей.

- Чем собираешься заняться в оставшиеся месяцы 2012 года и в следующем 2013 году? 
- Сейчас для меня самое важное - закончить альбом.

 - Мудрая мысль напоследок? 
- Пробуйте от жизни всё, не упускайте возможность!

Источник: Inverted-audio.com

Читать дальше »

Cid Inc.: как я познакомился с техно и эйсидом

Очень быстрое индийское интервью с Cid Inc. Множество коротких вопросов и ответов. Поэтому и вступление такое же быстрое и короткое. А если не знаете, кто такой Cid Inc - спросите у Гуглы. Гугла знает всё. Гугла - индийский шаман.

- Привет! Твое настоящее имя - Генри Хартиг, но ты более известен, как Cid Inc. Что означает твой псевдоним?
- Привет! На самом деле, Cid Inc - это сокращенная форма Acid Incorporation. Я очень любил эйсид-хаус и часто играл его в середине 90-ых. Тогда-то и образовался псевдоним, с тех пор я его не меняю.

- Расскажи о своей карьере музыканта.
- Я начал писать музыку в 89 году. У меня был компьютер Commodore Amiga, на котором стояла очень ограниченная программа Noisetracker - у нее было всего 4 канала и использовались 8-битные сэмплы. Музыка была для меня просто хобби, пока не началось новое тысячелетие. Вот тогда я и решил, что она должна стать моим основным занятием и в 2004 вышел первый мой винил в составе Mashtronic. А диджеить я начал где-то в 1993.

- Так ты с самого начала расчитывал стать диджеем или продюсером?
- Ну, я знал только то, что музыка всегда будет оставаться по крайней мере моим хобби. Она была моей страстью, сколько себя помню. Когда я начал диджеить, я познакомился с техно и эйсид-хаусом и понял, что если у меня получится, я буду работать именно в этих направлениях.

- Когда ты начинал в 90-ых, на кого из известных исполнителей ты равнялся?
- Я слушал KLF, Prodigy, Shamen, X-express 2 и множество рэйвовой музыки в то время. Этому списку не будет конца, если я начну вспоминать всех, кто на меня повлиял.

Генри часто приходится пересчитывать зрителей

Блиц-опрос

Трек, благодаря которому ты увлекся электроникой: KLF - What time is love.

Любимая еда: что-нибудь из индийской кухни.

Напиток: пиво.

Телепрограмма: Я редко включаю телевизор, а если что и смотрю, то обычно это документалки.

Фильм: датский фильм “Haevnen”, который я посмотрел пару дней назад.

Видеоигра: у меня сейчас не так уж много времени выдается, чтобы поиграть, но вообще, люблю игры из серии Half Life.

Альбом: Radiohead - Ok Computer.

Лейбл: Sudbeat, microCastle, Lost & Found, Bedrock.

Клуб: B018 в Бейруте и Bahrein в Буэнос-Айресе.

- В начале своей карьеры ты жил в Финляндии и Швеции. Брал у кого-нибудь уроки или сразу же стал практиковаться за деками?
- Кое-кто из моих друзей начали осваивать диджейское ремесло одновременно, но мы не брали уроков, всему учились сами.

- Вы вместе с Mathias Bradler создали группу Mashtronic и получили известность на электронной сцене. Ты счастлив тем, что вам удалось выпуститься даже на таких матерых лейблах, как  Bedrock и Global Underground?
- Конечно! Особенно я горжусь релизами  на Bedrock (ну а кто бы сомневался). Было бы неплохо, если бы и Cid Inc. там когда-нибудь выпустился.

- А как дела у Mashtronic сегодня?
- Наше последнее совместное выступление состоялось в 2010 году в Макао. Это город в Китае. С тех пор ни у меня, ни у Матиаса не было планов относительно группы. Так что сейчас я полностью сконцентрирован на своем сольном материале.

- Генри, твои сольные работы выходили практически на каждом известном мне топ-лейбле, но все равно, недавно ты основал свой собственный - Replug Records. Хочешь сориентировать его на какое-то особое звучание?
- Как и многие музыканты на электронной сцене, я хотел бы иметь возможность выпускать что угодно, где угодно и когда угодно. Джейсон из Proton недавно рассказал мне о Proton Soundsystem - электронной системе менеджмента для лейблов и я понял, что сейчас как раз наступил наиболее подходящий момент, чтобы начать собственное дело. У Proton действительно очень навороченная система, в ней автоматизировано практически каждое действие - от выплат роялти до отправки контрактов новым исполнителям. Так что, используя что-то подобное, я смогу, не отвлекаясь от собственной продукции и мастеринга, управлять делами лейбла. Мне нравится всё, что можно отнести к техно, прогрессиву или дипу, так что, думаю лейбл будет существовать столько времени, сколько будут находиться исполнители, способные впечатлить меня своей крутизной.

- Назови свой любимый клуб?
- Это, наверное, B018 в Бейруте. По крайней мере, один из любимых. Я выступаю там каждое лето. Ливанцы - невероятная публика и каждый мой приезд туда - фантастическое время.

Среди этих девушек определенно есть безумные фанатки

-Что бы ты никогда не забыл дома перед игрой в клубе?
- Ноутбук и контроллер.

- Какая главная идея компиляции Replugged Volume 1? И будут ли следующие выпуски?
- Мне просто хотелось выпустить накопившиеся у нас качественные треки в одном релизе. Возможно, что продолжение выйдет уже в следующем году.

- Как бы ты описал свое нынешнее звучание?
- Что-то среднее между техно и прогрессивом.

- Что предпочитаешь больше: зарыться с головой в студию на несколько недель или побыстрее закончить дела и отправиться выступать?
- Всё зависит от моего настроения. Иногда на работу уходит пара часов, а иногда я целый месяц сижу над одним треком. Да и мастеринг чаще всего занимает много времени.

Мой лейбл будет существовать столько времени, сколько будут находиться исполнители, способные впечатлить меня своей крутизной.

- Ты участвовал в турах Global Underground. А что сейчас?
- GU перешла к новым владельцам, так что в прошлом году компания затихла и по большому счету больше ничего не происходит.

- Сейчас ты живешь в Финляндии. Расскажи о электронной сцене этой страны. Есть ли там особые для тебя клубы?
- Сцена здесь довольно в хорошем состоянии, хотя прогрессив не настолько развит, как хотелось бы. В Хельсинки два хороших клуба, которые мне нравятся - Venue и Playground.

- Расскажи нам о своей диджйской консоли. Какие компоненты для тебя обязательны?
- Не уверен, правильно ли я понял. Если ты имеешь в виду диджейскую кабину - должно быть достаточно места, чтобы я смог разместить ноутбук и миди-контроллер, которыми пользуюсь.

Да вы достали уже своими вопросами!

- Играл когда-нибудь с винилов?
- Да, давным-давно.

- У тебя бывали мысли взять что-то из своей старой продукции и попытаться каким-то образом его доработать?
- Нет, когда трек готов, он готов и точка.

- Какую мелодию хотел бы послушать сейчас?
- В данный момент - это новый ремикс Guy J на Gill Norris – Forme. Просто крутой трек!

- Что собираешься выпустить в 2012 году?
- У меня выйдет сингл на лейбле Mooseekaa, принадлежащем Luis Junior, я работаю над ремиксом для DNYO, который будет выпущен на Протоне, плюс еще несколько моих сольных треков, которые я, скорее всего, выпущу на Replug.

- Как ты расслабляешься в свободное время?
- Обычно я работаю по семь дней в неделю, но если по воскресеньям выпадает свободное время, когда я не нахожусь в разъездах, я провожу его с моей миссис и собакой. Обычно на повестке дня красное вино, хорошая еда и долгие прогулки на свежем воздухе.

- Был ли в твоей карьере чокнутый фан, от одного воспоминания о котором глаз начинает нервно дергаться?
- Не могу вспомнить, но глаз у меня точно дергается от чокнутых фанов.

- Если Prateek Pandey (организатор выступления и диджей) выдавит из себя слезу после твоего сета, что ты ему скажешь? Хаха...
- Платочек?

Источник: Dancemunkey.wordpress.com

Читать дальше »

Toolroom Records Selector Series 8: Dave Seaman

Tracklist 

1. Funkagenda - Breakwater (Seaman & Stel’s Waveforce Mix)
2. Popof & Olivier Giacomotto - Back Together
3. Wehbba & Antonio Eudi - The Real Thing
4. Pete Tong - Wardance (Matthias Tanzmann Remix)
5. Koen Groeneveld - CVR
6. Todd Terry Presents Sound Design - Bounce To The Beat (Prok & Fitch School Of Todd Remix)
7. Adam K & Soha - Question
8. Rene Amesz & Ruell - Hope
9. Adam Shaw & Tim Weeks - Jesmond
10. D-Formation - Weakness
11. Luigi Rocca - Es Vedra
12. Tiger Stripes Feat Cevin Fisher - It All Comes Back
13. Ramon Tapia - Believe
14. Adam Shaw - Frog Face
15. Wehbba - Raw Visioт
16. Adam Shaw - Far Cry
17. Kim Fai - Empty Inside
18. Rene Amesz - Balanceo
19. Adam Shaw - Unstuck
20. ATFC - Mothership

Казалось бы, что интересного, мог забыть король компиляции Дэйв Симен на лейбле Toolroom? Монокль? Или может быть ящик бананов? Нет, правильный ответ - возможность отметиться в серии миксов Toolroom Records Selector, восьмая часть которой увидит свет уже через пару недель.

Само название серии говорит о том, что Дэйву, как и семи его предшественникам, пришлось ограничиться лишь каталогом лейбла. К счастью, каталог оказался огромным и у музыканта не возникло проблем с выбором, ведь за 25 лет диджеинга ухо Дэйва стало таким огромным и натренированным, что хорошую продукцию он определяет по первой же ноте. Среди двадцати нанизанных на веревочку мелодий оказались классика вроде Funkagenda - Breakwater, Adam K & Soha - Question и D-Formation - Weakness и недавно покинувшие сборочный цех лейбла треки Popof & Olivier Giacomotto - Back Together, Wehbba - Raw Vision и Luigi Rocca - Es Vedra.

Сам Дэйв на вопрос о подборе треков отвечает следующими словами: "Они стали таким мощным лейблом за последние несколько лет, что это просто невероятно. Мне кажется, что они даже занимали 75% лучшей сотни Beatport в прошлом году. Безумцы! Но мне кажется, что когда люди слышат слово Toolroom, в голове сразу же всплывают хиты танцполов, хотя в каталоге лейбла такое разнообразие музыки, что вы даже представить себе не можете".

Дэйв добавляет, что старался избежать наиболее очевидного выбора, поэтому он надеется, что микс сможет удивить даже самых заядлых знатоков дискографии Toolroom Records. Как ему это удалось, узнаем второго сентября. 

Читать дальше »

Caribou превратится в Daphni

Tracklist

1. Yes, I Know
2. Cos-Ber-Zam - Ne Noya (Daphni Mix)
3. Ye Ye
4. Light
5. Pairs
6. Ahora
7. Jiao
8. Springs
9. Long

Дэна Снейта легко вывести из себя, по ошибке назвав его Снейпом. И хотя с профессором зельеварения канадский музыкант не имеет ничего общего, выпускаться он предпочитает под псевдонимами. Сначала Manitoba и Caribou, теперь - Daphni.

Если музыка, которую писал Дэн под первыми двумя именами, практически не отличается, выбор третьего более чем оправдан. За пару лет увлечения клубной жизнью музыкант накопил множество танцевальных треков. Для нового альбома Caribou они показались бы странными и неуместными, но для сайд-проекта - подойдут в самый раз. И хотя многие считают, что Дэн начал посещать вечеринки потому, что потерял на одной из них носовой платок, сам музыкант объясняет это так: "Я влюблен в моменты в небольших темных клубах, когда диджей ставит музыку, которую ты не только не можешь идентифицировать, но даже не догадывался, что подобное могло существовать, до того момента, пока ее не услышал. Это контрастирует с живыми концертами, где группы предсказуемо соединяют вместе песни из их наиболее свежего альбома. Диджеи могут удивить вас по настоящему".

Альбом Jiaolong выйдет на специально для этого построенном и названном одноименном лейбле. Но Дэн не только открывает студию для нового проекта, для записи альбома музыкант создал особый модульный синтезатор. Ведь в основу в этот раз положен ритм. Сам Снейт объясняет это так: "Музыкальный продюсер воспринимает параметры танцевальной музыки шире. Ритмический фундамент скорее освобождает, чем сдерживает, позволяя остальным элементам соединяться в широкую палитру".

До чего довело музыканта ритмическое освобождение и придется ли по духу новый аватар Карибу старым его слушателям, станет известно 8 октября. ну а пока - всем пока. 

Читать дальше »

Что в плеере у Гая Гербера?

Как и любой уважающий себя диджей, израильтянин Гай Гербер - большой меломан. Ведь не слушая чужую музыку, вряд ли сможешь создавать свою. О семи треках, которые первыми попадают в каждый новый его плейлист, Гай и рассказывает мне прямо сейчас, размахивая руками, словно вертолет.

Clarian – All Over All Kinds

Этот чудный солист Footprintz поет и играет на клавишных так, словно завтрашнего дня не существует, да и басовая линия здесь просто разрывная. Как-то он сказал мне, что эта песня - о шахматах.

Kate Simko – Go On Then feat Jem Cooke

Одна из моих любимых песен за последнее время. У нее такое привлекательное, глубокое звучание со светлым и простеньким битом.

FPU – Crockett’s Theme

Я - большой фан “Полиции Майами”, так что этот трек, включенный в нужный момент, может сделать меня очень-очень счастливым.

Q Lazzarus – Goodbye Horses

Люблю эту мелодию, люблю вокал, но терпеть не могу ремиксы. Оригинал в сто раз лучше любого из них.

DJ Rasoul – Let The Music

Несколько лет назад в Торонто ее показал мне Phil Weeks. По моему, она отлично подходит для афтепати. Глубоко, тепло, любяще - что еще нужно?

San Laurentino – Somewhere Under Stars

Красиво и свежо, к тому же, способно удержать внимание слушателя. Как раз то, что я люблю в музыке. Здесь практически нет пиковых моментов - только течение и течение.

Arpanet – Wireless Internet

Отличный выбор для окончания вечеринки. Здесь также нет пиков и создается просто небесная атмосфера. После такой музыки люди могут вернуться домой и спокойно лечь спать.

Читать дальше »

Agoria представляет: FORMS

Есть люди, благодаря которым Францию считают страной самой нестандартной электроники в мире. Себастьян Дюво - один из них. Критики давно устали от попыток определить жанр его альбомов, а под компиляцию для серии Balance танцевал джигу-дрыгу сам Жак Ширак. Не удивительно, что в родном Лионе Себастьяна считают героем. Клабберы стаптывают подошвы на организованном им ежегодном фестивале Nuits Sonores, а мэр города хотя бы раз в месяц приглашает музыканта пообсуждать проблемы культуры за чашкой чая с бубликами. Не известно, чем заканчиваются такие беседы, но в ближайшие месяцы Agoria собирается опробовать на жителях Франции, Испании и Франции свой новый концепт Forms.

Возможно, идея, лежащая в основе Forms - далеко не нова. Визуальный ряд давно умеет подстраиваться под любую, самую неожиданную и импровизированную музыку, но в этот раз, по словам Себастьяна, изображение полностью будет контролироваться звуками, а за время всего тура ни один кадр не повторится дважды. За качество картинки отвечает команда Scale, само название которой говорит о том, что проект получится масштабным. Представление о том, как всё будет выглядеть, можно получить из промо-ролика, небольшого интервью с музыкантом или записи одного из шоу Forms, которое ждет вас в конце статьи.

- FORMS - первый твой опыт аудиовизуального перфоманса?
- На самом деле нет. Я уже работал над аудиовизуальным шоу вместе с Honza из Pfadfinderei четыре, максимум пять лет назад. Но со Scale мы познакомились недавно и когда Jean-Louis Brossard, художественный директор фестиваля Transmusicales спросил, могу ли я подготовить что-то особое для своего выступления, я сразу же перезвонил Scale. Вот как всё началось. На первых порах проект был классическим образцом музыки, которую я обычно играю, но в этом году мы решили внести значительные коррективы.

- А в чем заключается ваше сотрудничество? Ты работаешь над визуальной частью вместе с ним?
- Мы начали с идеи играть вживую, несмотря на все ограничения, которые это влечет за собой. Музыка одновременно и подчинялась сценарию, и являлась импровизацией, точно так же и с визуалом. В первых наших шоу напрочь остутствовала общая структура, мы хотели, чтобы каждое из них отличалось от предыдущих. Нужно было значительно обогатить визуальную часть проекта, усилить ее, но при этом не перестрараться. В музыке или архитектуре излишнее нагромождение слоев и эффектов затмевает исходное послание. Также важно было сделать как можно больше видеозаписей наших шоу, чтобы проанализировать их впоследствии и понять, какие элементы срабатывают, а какие нет. Позже мы пересмотрели общую концепцию шоу и вывели определенную общую структуру, которой сейчас  и подчиняется рассказываемая нами история. Мы на самом деле хотим, чтобы наши выступления были более живыми, с большим простором для импровизации и сюрпризов. Мы как рок-группа, но без певцов.

- Не смотря на то, что ты хочешь сохранить импровизационность выступлений, ты рассказываешь группе перед выходом на сцену, что именно будешь играть?
- Конечно да. Каждую неделю я пересылаю им новые треки, которые хотел бы включить в сет и мы вместе ищем наиболее подходящий визуальный ряд. Нам повезло, что мы работаем с BETC, это позволяет нам использовать футажи из их огромного визуального банка. Scale монтирует коротенькие фильмы из них и проигрывает вживую. Иногда наши выступления и для меня являются головоломкой, ведь мне необходимо приспосабливать диджей-сет к атмосфере, царящей в зале.

- Я смотрел твое недавнее выступление в Rock en Seine и вот что заметил: твой диджей-сет выглядел, словно путеводитель по истории электронной музыки. Это было преднамеренно?
- Да, целиком и полностью. Мне нравится быть непосредственным участником развития электронной сцены. Я хочу делиться знаниями, но не хочу превращать этот процесс в скучные уроки. К тому же, FORMS сильно отличается от электронных фестивалей вроде Dour или I LOVE TECHNO, где публика знакома с этим типом музыки от и до. Я думаю, что диджей должен делиться со слушателями своими эмоциями, при этом оставаясь честным по отношению к собственным музыкальным вкусам. Вот почему наш FORMS настолько сильный проект. Играл бы я без визуальной поддержки треки, к примеру от  DJ SNEAK, Lil’ Louis или Kevin Saunderson, незнакомый зритель попросту ничего бы не понял. Аудиовизуальный формат делает музыку доступнее.

Источник: The Creators Project

Читать дальше »

Kangding Ray: я создаю по 38 версий каждого трека

Дэвид Летелльер - французский архитектор. Мы бы вряд ли написали о нём хоть слово, если бы не его знакомство с Олафом Бендером, которое привело к выходу целых двух альбомов на самом умном айдиэмном лейбле в мире - Raster-Noton. В 2012 году Дэвид выпускает свой третий альбом - OR, о чем, собственно и рассказывает в своем интервью c Resident Advisor.

- Ты ведь раньше был архитектором? Что именно проектировал? 
- Когда я работал архитектором в Берлине, то по большому счету принимал участие в конкурсах на постройку различных зданий, вроде школ. Позже я попал в архитектурную команду, которую наняли для работы над дизайном Филармонического Холла в Париже. Им нужен был человек, который стал бы связующим звеном между архитекторами и специалистами по акустике.

- Какие требования были у архитекторов, а какие у акустиков? 
- Всё довольно абстрактно. Это ведь зал филармонии, так что основная работа заключалась в геометрии, звуке и его отражениях, подсчетах того, как именно он будет распространяться по помещению. Акустикам нужен был правильный объем звукопоглощающих и отражающих поверхностей, правильный вес и текстура материалов. Архитекторы, в свою очередь, хотели, чтобы всё выглядело как можно красивее. Так что для меня, как для связующего звена, было много работы - я должен был найти компромисс.

- Работа архитектором привнесла что-то в твой подход к созданию музыки? Я помню, что как-то читал интервью, где ты рассказывал, что часто слышишь похожие вопросы, но у тебя нет однозначного ответа. 
- Да, чаще всего я не говорю об этом слишком много. Само собой, что мой ответ будет утвердительным. Я использую полученные знания постоянно, ведь это часть меня, но вряд ли кто-то способен услышать это напрямую. Наверное, если ты знаешь о влиянии архитектуры, то сможешь как-то прочувствовать его в моей музыке, но вряд ли это так уж важно, чтобы понимать ее.

Если ты знаешь о влиянии архитектуры, то сможешь как-то прочувствовать его в моей музыке, но вряд ли это так уж важно, чтобы понимать ее.

- Кажется, что музыка лейбла Raster-Noton просто создана для того, чтобы порождать разные заумные теории. Ты вкладываешь в свое творчество определенный научный посыл или стараешься держаться от этого подальше?  
- Мне хотелось бы держаться подальше, но когда у тебя появляется сильная концепция, рано или поздно ты привнесешь ее в музыку и мне нравится это в равной степени.

- Ты вносишь подобные концепции в уже написанную музыку? Мне кажется, что это должно происходить до написания, в крайнем случае в процессе. Ведь концепция - это то, что задает общее направление. 
- Обычно мне приходится возвращаться назад в работе и продолжать, уже имея концепт. Когда я пишу альбом или обычный сингл, концепция рождается в процессе и мне приходиться оглядываться на пройденные этапы и пересматривать их в свете этой новой идеи. Так что у меня не получается двигаться всё время в одном направлении.

Дэвид боится играть на сцене один

О чем его музыка?

STABIL: Белая глянцевая поверхность. Непрерывный поток минималистичного бита и мелодий. Текстурированный звуковой пейзаж, создаваемый акустическими инструментами и цифровыми аномалиями. 

AUTOMNE FOLD: Матовая неровная поверхность. Сырость аналогового звука. Голос, как основной инструмент.

PRUITT IGOE: Создание и разрушение. Музыка вдохновлена историей Прюит-Игоу - огромного жилого комплекса, построенного в 1955 году в Сент-Луисе. Вандализм и рост преступности привели к разрушению комплекса в 1972 году. 

OR: Эхо разрушенных экономик, дисфункциональных политических систем и корпоративного отчуждения, разочарование в современной цивилизации. OR - возможность другого выбора, поиск ответов, иного пути развития. 

THE PENTAKI SLOPES: Согласно легенде, человек, который заберется на вершину горы Пентаки с северной стороны, найдет источник истины. Тот же, кто попробует забраться с южной, как бы он не старался, никогда не поднимется на вершину.

- Я читал о том, как ты пишешь музыку. Ты всегда создаешь несколько версий одного и того же трека, так что, как мне кажется, для тебя не составляет большого труда вернуться к предыдущим версиям и изменить общую идею, когда ты понимаешь, куда уводит тебя концепция. 
- По большому счету, именно так всё и получается. Carsten Nicolai мне всегда говорит, что я должен быть более точным и не создавать так много версий. Он предпочитает ранние, необработанные варианты моих треков, номер 2, к примеру, тогда, как я уже вовсю тружусь над номером 38. Но когда ты проходишь сквозь этот процесс, ты понимаешь, что у трека внутри, постигаешь его сущность. Сначала я должен выстрадать каждый трек, чтобы узнать, о чем он и изменить его, как ты и сказал.

- Выстрадать?
- Да. Звучит так, словно это болезненный процесс. Наверное, так оно и есть. Хотя иногда все получается легко и работа приносит радость от начала и до конца.

- В одном из интервью ты сказал, что главная причина того, что ты занимаешься музыкой - возможность играть вживую... 
- Да, это так.

- Мне кажется, это помогает тебе отвлечься от тяжелых раздумий? 
- По сравнению с процессом написания треков, выступать вживую - чистое счастье для меня. Мне дают бесплатные напитки, я играю перед огромным количеством людей и получаю за это деньги. Что может быть лучше? Я счастлив, что у меня есть возможность заниматься этим.

- Где ты успел выступить в последнее время?
- После выхода альбома Or меня все чаще стали звать играть в клубах или на техно-фестивалях. Альбом вообще получил положительный отклик со стороны техно-сцены. И я доволен этим, ведь я хотел донести свою музыку и к техно-аудитории тоже. Конечно, я нахожусь где-то между этих двух стилей. Кто-то может посчитать мою музыку странной, кто-то - сказать, что я ломаю традиции, но так оно и есть. И, скажу тебе, это работает.

Крепкая и надеждная паутина Stabil

- Ты планировал использовать более прямой бит еще до начала работы? 
- Да, это было моей изначальной целью. Я знал, что атмосфера, которую я хочу воссоздать,
требует тяжелых прямых битов. Альбом отражает состояние современного общества, это темная, абстрактная картина нашей эры.

- И каким ты видишь состояние нашего общества? 
- Мы словно застыли в таком плавающем моменте. Многие люди начинают задумываться: “в чем же смысл всего происходящего?” Мы разрушаем окружающую среду, губим экономику. И, следовательно, рождается странное ощущение конца привычного нам мира. Конечно, есть надежда на перерождение, но вряд ли это произойдет с помощью технологии. Я не знаю... Сложно описать словами, но я уверен, что надежда придти к более светлому будущему благодаря технологии погасла.

Будь у меня ответы, я не стал бы писать музыку. Я нашел бы себе другое занятие.

- Ты хочешь сказать, что будущее зависит от того, поймут ли люди, что технология развивается не в том направлении?
- Да, но возможно, дело не только в технологии, но также и в способе структуризации нашего общества и всех проистекающих из этого обстоятельствах. Вот в чем заключается “или” альбома Or. Сможем ли мы начать думать иначе? Найти альтернативный способ развития? Я думаю, многие люди осознают это, но у меня самого нет ответов.

- Но Or - это также и французское слово, которое переводится, как “золото”. Думаю, тебе по душе двойное значение выбранного названия. 
- В целом, да. Золото - это единственный метал, обладающий постоянной и стабильной ценой. Оно способно удерживать свою стоимость на одном уровне в течение тысяч лет. Отражение стабильности в нашем нестабильном мире.

- Как мы до такого докатились? 
- Я не знаю.

- У тебя нет никаких ответов. Только вопросы. Только “или”. 
- Да, в принципе, так и есть. Будь у меня ответы, я не стал бы писать музыку. Я нашел бы себе другое занятие.

Кривые линии Automne Fold - полное отсутствие стабильности

- Можешь назвать себя диджеем? 
- Нет. Я не умею диджеить. У меня не получается сочетать бит двух пластинок. Конечно, я записал несколько диджей-сетов, но не как профессиональный музыкант.

- Как думаешь, если ты изначально стремишься сделать трек, ориентированный на танцпол - это помогает или мешает в творчестве? 
- Ну, некоторые мои друзья, которые занимаются диджеингом, говорили, что больше всего ценят треки, которые выпускают продюсеры, не занимающиеся диджеингом. Всё потому, что мы не знаем правил. Не знаем, что в треке обязательно должно быть интро или что-то в этом роде. Я никогда даже не интерсовался этим, никогда не спрашивал у диджеев, что именно им нужно от танцевальных треков?

- Ты просто не хочешь знать... 
- Да, не хочу. В нашем мире многое должно оставаться загадкой. Но я также не хочу, к примеру, уметь создавать  инструменты. Я всего лишь пишу треки. Я счастлив, когда в клубе диджеи играют мои треки, но я знаю, что для них это вызов - поставить что-то подобное.

Сначала я должен выстрадать каждый трек, чтобы узнать, о чем он и изменить его.

- Расскажи мне о релизе Monad, который ты недавно выпустил на Stroboscopic. У лейбла довольно открытое мышление, но прежде всего он ориентирован на техно-музыку. Это что-то новое для тебя. 
- Когда представители лейбла связались со мной в первый раз, я отказал. Они выпускают только цифровые релизы, а я совсем не желал делать что-то подобное. Может быть, это эгоистично, но мне нравится иметь дома свою продукцию в физическом формате. Я могу поставить диски на полку и всё такое. Но мне также нравится серия Monad. Это отличная музыка от на самом деле великих музыкантов, так что предложение было заманчивым и в конце-концов я дал согласие. Наверное, это было естественным, выпустить релиз именно на Stroboscopic, в связи с большим количеством техно-элементов в альбоме Or. Но, учитывая, что релиз цифровой, я старался оградиться от этого, насколько возможно - использовал лишь аналоговые инструменты и синтезаторы, старался сделать звучание грязным и необработанным. Я доволен получившимся в итоге контрастом.

- Ты всегда был фаном техно-музыки? 
- Нет, у меня нет техно-опыта за плечами. Будучи подростком, я играл в рок-группах и слушал Nine Inch Nails. Техно я открыл для себя, лишь переехав в Берлин 11 лет назад.

Так записывался OR

- А танцевать тебе нравится?
- Да, мне нравится это всепоглощающее чувство, которое может дать клуб с хорошим звуком. Это невообразимый опыт, социальный феномен, что-то вроде параллельного мира, где действуют совсем другие законы. Мне кажется, важно, чтобы подобный мир существовал, ведь в нашем обществе не найти ничего подобного. Вне клубов нас ждет контролируемое пространство, где даже в магазинах используется видеонаблюдение. Нет другого места, кроме клубов, где было бы возможным подобное единение самых разных людей.

- Как думаешь, эта особенность клубной жизни в определенной форме могла бы использоваться и в контексте политики?
- Да, однозначно. Энергия, которую создает рейв-культура в некотором роде связана с политическим сопротивлением. Даже наше участие в рейвах само по себе может расцениваться, как политическое действие. Создавать контекст, который позволит осуществить это.... Да, определенно, существует очень тесная связь.

- Что-то подобное, мне кажется, воплотилось в протестах против GEMA неделю назад. Ты принимал участие в них?
- Да.

- Почему это важно для тебя? 
- Как музыкант, я не нахожу абсолютно никакой необходимости полагаться на GEMA и подобные ей организации, чтобы зарабатывать деньги или получать доход от моей музыки. Скорее меня прокормят гонорары от концертов или оплата от непосредственной продажи записей, чем какой-то черный ящик, который подсчитывает статистику проигрываний на радио. Мне хочется контролировать то, чем я занимаюсь.  Интересно, что на самом деле у меня нет выбора. Я не являюсь участником GEMA, я участник SACEM - ничем не лучшего французского аналога, но, все равно, косвенно, через лейбл, я связан с GEMA. Я хотел бы научиться избегать контроля со стороны подобных организаций в будущем, но вряд ли что-то получится. Все упирается в то, как построена и структурирована музыкальная индустрия сегодня.

- Мне кажется, что в последние несколько лет индустрия начала развиваться слишком быстро и подобным организациям просто не удастся угнаться за происходящими изменениями.
- Они были созданы совершенно другой системой и не должны влиять на то, как создается или играется музыка в данный момент. Вообще не должны. Я думаю, у них даже нет ни малейшего понятия о том типе музыки, которая играется в клубах.

Читать дальше »

Что в плеере у Макса Купера? (Часть вторая)

Еще с нашего прошлого материала о музыкальных пристрастиях мистера Купера было ясно - Макс раскрыл далеко не все карты. О том, какая музыка повлияла на его творчество и чьи треки он может слушать хоть по 28 часов в день, вы узнаете из первых уст.

Vaetxh – Mass

Раньше я уже говорил, что Vaetxh - мастер детализации, психо-акустического безумия и музыкальности эпических масштабов. Да вообще, он - один из лучших продюсеров в мире и я ожидаю, что в будущем он выпустит еще больше необычных вещей. Я часто использую его треки, чтобы добавить в сетах деталей или глитчей, либо как проигрыши между более стандартным материалом в размере 4/4.

Max Cooper & Jeet – Fisted

Этот трек - отсылка к старым дням клуба Firefly, где мы резидентствовали вместе с Jeet и играли разный тяжеляк. Это не совсем привычный мне стиль, но когда я играю Fisted в конце сетов, мне кажется, что он довольно хорошо разбавляет их собой. Иногда, когда устаешь от всего этого мелодичного материала, просто необходимо иметь под рукой такую ударную вещь.

Max Cooper – Raw

По началу я совсем не был уверен насчет этого трека, но в прошлый уикенд кто-то попросил его сыграть и он буквально открылся для меня с другой стороны. Это же такой крутой трек, почему я не играл его раньше? Иногда всё дело в звуковых системах. На некоторых из них музыка просто не воспринимается должным образом. Наверное, именно поэтому я и отложил его на ранних стадиях работы в долгий ящик.

Agoria – Panta Rei (Max Cooper Remix)

Этот ремикс, который я записал для Agoria, долгое время был моим секретным оружием. Он звучит мягко, но всегда срабатывает на ура. И точно могу сказать, что он побил все рекорды по вопросам “что это за трек?”. Иногда долгая отсрочка релиза заставляет слушателей сходить с ума. Так вот, он наконец-то будет выпущен на InFine через пару недель.

Truncate – Dial

Мне нравится менять линию ударных посреди сета. Если всю ночь слушать стандартные четыре четверти, подобное может быстро надоесть. А это - отличный трек, чтобы разбавить атмосферу. Он звучит жирно и перегружено, но все равно, предоставляет массу возможностей, чтобы диджей мог использовать его в качестве своего инструмента.

Amon Tobin – Bedtime Stories

С помощью этого трека я сбиваю слушателей с толку посреди сета. Правда, потом, после такого чудовищного вброса, я сразу ставлю что-нибудь реально глубокое и мелодичное, то, что приносит удовольствие. Мне кажется, всё дело в контрасте - если максимизировать разницу между треками, они окажут на слушателя больше влияния, чем если бы я использовал их в однообразном наборе. Но нужно быть осторожным и не выбиться из общего потока. Нужно уметь балансировать.

Minilogue – The Leopard (Extrawelt Remix)

Двое моих любимых исполнителей сошлись в одном треке для достижения наибольшего эффекта. Это классика лейбла Traum. А какая у него огромная, теплая и обволакивающая басовая линия... Всегда приятно играть такую музыку.

Michael Nyman & David McAlmont – Secrets, Accusations, And Charges (Max Cooper Deconstruction)

Работа над этим ремиксом стала для меня вызовом. Всё дело в статусе композитора и разных стилях исходного материала, который я использовал. В итоге я решил остановиться на приемах деконструкции и реконструкции. Сначала я разбил оригинал на небольшие фрагменты и построил собственную танцевальную версию трека, ну а потом уже попытался реконструировать из этих частей оригинал.

Читать дальше »

Dan Deacon: хотите знать, что я думаю об Интернете?

Дэн Дикон - не просто толстенький бородач. И даже не внук Анатолия Вассермана. Это ходячая батарейка и один из главных идеологов футуристического техно-панка. И пока новый альбом Дэна только готовится возглавить всевозможные чарты и топ-листы, послушаем рассказ о корнях музыканта, его отношению к комментариям в интернете и реакции на внезапно возникшую популярность. Всё это и даже больше - в интервью Дэна журналу Tinymixtapes.

- Твои лайв-шоу - наполовину стэнд-ап, наполовину клубная вечеринка. Когда ты впервые начал выступать и как с тех пор изменился формат твоих концертов? 
- Впервые я начал выступать в SUNY Purchase. Это небольшой колледж, ориентированный на радикальное искусство, который располагался посреди леса, но не так уж далеко от города. Большинство своих шоу я проводил для друзей или просто для людей, которым хотелось позависать в кругу чудаков. В Purchase почти не было чем развлечься, поэтому мы сами обеспечивали свой досуг. Группы к нам никогда не приезжали, так что пришлось создать собственную сцену. Она была очень крутой (Wooden Wand, Langhorne Slim, G. Lucas Crane, Dufus, Jeff Lewis, Regina Spektor, Meneguar, Kiss Kiss и участники-основатели Wham City). Тем не менее, я изучал композицию на музыкальных курсах, что позволило мне большую часть времени посвятить работе над музыкой и выступлениям. Первое мое “шоу” было сольным концертом, который мы провели на двоих с моим другом Robert O'Brien. Я сыграл 17 электронных композиций. В то время моя работа очень подвергалась влиянию общего потока, я увлекался минимализмом и секвенцированной музыкой. Большинство  треков, которые я писал, были структурными импровизациями с плотным звуком в качестве основного композиционного элемента. В то время я больше фокусировался на плотности звуков в ритмических и тональных настройках и проверял, насколько далеко заберутся в мой музыкальный словарь поп-песни и музыка для вечеринок. Главным влиянием, которое оказали на мою музыку туры стало добавление монологов или стенд-апов. Каждый раз, приезжая в новый город, лучшим способом сломать лёд и установить контакт со слушателями для меня было поговорить с ними. Я придумывал какие-то длинные и абсурдные фантазии о Фрейзьере или Гарфилде, о мире из волос или просто о том, что приходило в мою голову. Сейчас, когда мои шоу стали куда масштабнее, я занимаюсь стенд-апом всё меньше, но скоро это изменится. Я собираюсь выпустить альбом из рассказов и монологов, а позже проведу тур, в котором будет только текст и никакой музыки. Думаю, это будет весело. Извиняюсь, что ответ получился таким длинным и я сбился с темы.

На сцене Дэн фонтанирует энергией

- Как ты относишься к хейтерам? Твои лайвы полны позитива и энергию. Есть ли в твоем мире место и время для ненависти? 
- Меня удивляет то, насколько зло и безумно некоторые люди могут реагировать в секциях для комментариев или на форумах. Конечно, много какая музыка мне не нравится. Наверное, даже большинство музыки. Но мой мозг просто не может понять того, как кто-то может быть до такой степени безумным, чтобы писать на публичных форумах о том, как ему хочется убивать исполнителей и их слушателей. Особенно полны ненависти комментарии на stereogum.com. Это люди что, работают в тюрьмах? Успокойтесь. YouTube - еще одно поле боя для таких озлобленных чудаков. Когда мое видео Crystal Cat отображалось на главной странице YouTube, реакция некоторых людей была настолько негативной, что я даже не хотел говорить об этом друзьям или семье. Мы недавно беседовали с Джейкобом из PaperRad о реакции на YouTube и других веб-сайтах. С одной стороны - замечательно, что ты можешь донести с их помощью свое творчество широким массам, но с другой - а нужна ли мне на самом деле аудитория из кучки скучающих людей, которые ищут что-нибудь новенькое в качестве объекта для ненависти? Зачем заливать туда музыку, стоит ли оно того вообще? С кем я пытаюсь говорить посредством искусства? Интернет - форум для моих идей? Или может быть, лучше пресса? Или из уст в уста? Выиграет ли гонку медленный, но стабильный? Могу поспорить, что говорю сейчас, как полный придурок. Меня заклюют в блогах за это.

Я придумывал какие-то длинные и абсурдные фантазии о Фрейзьере или Гарфилде, о мире из волос или просто о том, что приходило в мою голову.

- Что ты думаешь о “шоке от будущего”. Насколько это актуально сегодня? 
- Мне кажется, наибольшую актуальность это понятие получает в том способе, которым мы получаем и распространяем информацию. Скорость коммуникаций очень сильно изменила музыку и искусство. Для многих людей имеют важность лишь свежайшие новости, но они устаревают со скоростью появления новых постов в блогах. Вау, печатая это, я не могу поверить, что Word подчеркивает слово “блог”. Но тем не менее, это просто безумие - та скорость, с которой интернет меняет вещи, перемены которых в прошлом длились годами. Презентовать свое искусство и музыку через интернет одновременно может быть, как идеальным средством, так и огромнейшей помехой. Мы уже обсуждали это в предыдущем вопросе. Но это невероятно - быть артистом, живущим в эпоху изменений, в век технологической и коммуникационной революции.

- Твой альбом “Spiderman of the Rings” возглавил список Best New Music интернет-журнала Pitchfork и в настоящий момент входит в список наиболее продаваемых альбомов по результатам Insound. Даже в отдельности каждое из этих достижений впечатляет. Как ты сам относишься к подобному признанию? Тебе не кажется, что твой подход к выступлениям и творчеству изменился? Возможно, появились какие-то новые обязанности? 
- Пока мне не задали такой вопрос в первый раз, я об этом даже не задумывался. Мне не были известны масштабы и влияние обеих этих веб-сайтов. Но с тех пор моя фан-база выросла с поразительной скоростью. Долгое время я существовал в андерграунде, так что это культурный шок - перейти из одного мира в другой. Я никогда не представлял, на что это может быть похоже по ощущениям, либо что я буду делать, если получу когда-нибудь шанс обращаться к таким огромным группам людей. Что же касается новых обязанностей, то как исполнитель, я ощущаю главной обязанностью продолжать делать всё то же, что я делал и пытаться помочь моим друзьям и исполнителям, которыми я восхищаюсь, пользуясь своим успехом. Вот почему для меня настолько важен Wham City. Даже если завтра всё, что произошло недавно исчезнет и я вернусь к тому, кем был еще год назад, со мной все еще останутся люди, к которым я смогу вернуться. Наверное, это претенциозно - говорить о том, что важно не терять свои корни, но мои друзья просто замечательны и для них я сделаю что угодно. Корни.

А дома он одевается в костюм хот-дога

- Ты переехал в Балтимор из Нью-Йорка вместе с группой друзей, с которыми учился в Purchase и вместе вы основали Wham City - художественный, концертирующий коллектив в духе Fort Thunder. Можешь объяснить, как всё произошло и почему вы выбрали именно Балтимор в качестве пункта назначения? 
- Практически все, с кем я дружил в школе по окончанию колледжа переехали в Бруклин, за исключением Wham City. Все они - люди, которые пошли в Purchase. Либо ты доучиваешься до конца, либо бросаешь всё и уезжаешь в Бруклин. Я не мог оставаться жить в Нью-Йорке, это было очень дорого. Мы с друзьями были просто полностью сломлены, никому не хотелось переезжать в город, где пришлось бы  питаться дешевой едой и вкалывать целый день только для того, чтобы оплатить ренту. Это было самым худшим. Но мы хотели жить в урбанистической обстановке. Так что поиски вывели нас на Балтимор - жизнь в этом городе была дешевой, он был грязным, малозаселенным, но располагался близко к нашим семьям (ну, то есть не на западном берегу) и казалось, что в нём много потенциала для музыки и искусства. Мы переехали в здание, которое называется Copycat. В то время у нас не было ни малейшего понятия, что в Балтиморе это довольно известное заведение для безумных людей и идей. Во всяком случае, нашими целями были - создать площадку, проводить шоу, жить, занимаясь искусством и веселиться. Почти 8 месяцев прошло, пока мы не прекратили плакать и пить и начали понемногу продвигаться, медленно формируя себе имя в новом городе. Думаю, вот такой итог можно подвести нашим начинаниям здесь.

- Как ты оцениваешь, насколько Балтимор повлиял на тебя? 
- О, очень сильно. Первое шоу, которое я провел на одном из складов в Балтиморе заставило меня полностью переосмыслить мой подход к выступлениям и презентации живой музыки. Публика здесь совсем не похожа на публику других городов страны. Шоу в Wham City или других местах в Copycat были абсолютно безумными. Люди, которые играли там, согласятся со мной. Но помимо влияния, которое оказали балтиморские шоу, публика повлияла на меня не меньше. Музыкальное сообщество в Балтиморе - это именно сообщество и оно разрастается во всех правильных направлениях (по крайней мере, мне так кажется). Оно - словно небольшой городок внутри огромного города.

Читать дальше »